Tchaikovsky-Abertura 1812 op.49

 A Abertura 1812 de Piotr Ilitch Tchaikovsky é uma das peças sinfônicas mais famosas do repertório clássico, composta em 1880 para celebrar a vitória russa sobre Napoleão na invasão de 1812.

Em 1882 a 20 de Agosto estreia  a Abertura de 1812 de Tchaikovsky em Moscovo.

A obra é mais conhecida pela sua sequência de tiros de canhão que é, em alguns concertos ao ar livre, executada com canhões reais. Embora a obra não tenha nenhuma conexão com os Estados Unidos da América, muitas vezes é executada juntamente com músicas patrióticas naquele país.

Alguns pontos interessantes sobre ela:

• Contexto histórico: Tchaikovsky foi encarregado de escrever a obra para a consagração da Catedral de Cristo Salvador, em Moscovo, erguida em memória da resistência russa. Ele próprio dizia não ter grande apego ao tema patriótico, mas a encomenda pedia algo grandioso.

• Estrutura musical:

  • Começa com um hino ortodoxo russo, representando a fé do povo.

  • Depois surgem trechos militares, temas russos e até a Marselhesa, hino da França revolucionária e símbolo dos invasores.

  • O clímax é uma explosão triunfal com o hino imperial russo “Deus salve o czar”, acompanhado por sinos e canhões.

• Instrumentação inusitada: Além da orquestra tradicional, Tchaikovsky pediu canhões reais e sinos de igreja. Em apresentações modernas, geralmente se usam efeitos sonoros, mas há execuções ao ar livre que incluem tiros de artilharia de verdade.

• Recepção: Embora o próprio Tchaikovsky não considerasse a obra entre suas melhores (dizia que era mais efeito do que emoção pessoal), ela se tornou um símbolo de espetáculo musical, muito usada em concertos ao ar livre e até em celebrações como o 4 de Julho nos EUA.

• Caráter: É uma peça mais de impacto do que de introspecção — cheia de energia, grandiloquência e brilho orquestral, quase um "fogos de artifício" em música.

Tchaikovsky-Capricho Italiano op.45

No dia 18 de Dezembro, vários acontecimentos relacionados com música ocorreram ao longo dos séculos. Também foi o dia da primeira apresentação no ano 1880, em Moscovo dirigido por Nicolas Rubinstein do Capricho Italiano op. 45 de Tchaikovsky. O Capricho Italiano, op. 45, é uma fantasia para orquestra composta por Piotr Ilitch Tchaikovski entre janeiro e maio de 1880. Uma performance típica da peça dura cerca de 15 minutos. O Capriccio foi inspirado por uma viagem de Tchaikovski a Roma, com seu irmão Modest, na sequência do desastroso casamento do compositor com Antonina Miliukova. Foi em Roma que, famosamente, o observador Tchaikovski chamou Rafael de "Mozart da pintura

Saint-Saenz-Septeto em Mi maior Op. 65

O Septeto em Mi♭ maior, Op. 65, foi escrita por Camille Saint-Saëns entre 1879 e 1880 para a combinação incomum de trompete, dois violinos, viola, violoncelo, contrabaixo e piano.

 Como as suítes Op. 16, 49, 90, o septeto é uma obra neoclássica que revive as formas de dança francesa do século XVII, refletindo o interesse de Saint-Saëns pelas tradições musicais francesas amplamente esquecidas do século XVII.

 O septeto é dedicado a Émile Lemoine, matemático que em 1861 fundou a sociedade de música de câmara La Trompette. .

 Há muitos anos, Lemoine pedia a Saint-Saëns que compusesse uma peça especial com trompete para justificar o nome da sociedade, e ele respondia, brincando, que poderia criar uma obra para violão e treze trombones. 

Saint-Saëns acabou cedendo e, em 1879, apresentou a Lemoine uma peça intitulada Préambule como presente de Natal, prometendo mais tarde completar a obra com o Préambule como primeiro movimento.

 O septeto completo foi estreado com sucesso em 28 de dezembro de 1880.

Eduard Lalo-Piano Trio No. 3 em la menor Op.26

O Terceiro Trio para Piano de Lalo , datado de 1880, foi uma das primeiras obras desse tipo e, como tal, marca uma clara ruptura com os dois trios anteriores. 

O tema principal do movimento de abertura, Allegro appassionato , consiste em um diálogo entre o violino e o violoncelo, com cada instrumento expondo apenas parte do tema. Lentamente, a música se torna mais apaixonada por meio de aumentos dinâmicos graduais. O efeito geral é de água em uma chaleira fervendo, você pode ouvir o clímax chegando.

 O movimento seguinte,Presto , é um scherzo ardente. Aqui, talvez mais do que em qualquer outro lugar do trio, a emergente escola francesa de composição instrumental é muito aparente, tanto no scherzo brilhante e turbulento quanto em seu trio mais calmo e relaxado.

 O movimento lento é o mais longo. O tema principal se desenvolve muito lentamente, como uma flor mostrada na fotografia de lapso de tempo. No final, Allegro agitato, Lalo começa com uma poderosa e cativante melodia semelhante a uma marcha. Seguem-se dois outros excelentes temas. Uma obra muito boa, que claro, deve ser ouvida em conjunto.

Puccini: Messa di Gloria ∙

A Messa ou Messa a quattro voci de Giacomo Puccini (atualmente mais conhecida sob o nome apócrifo de Messa di Gloria ) é uma missa composta para orquestra e coro a quatro vozes com tenor e barítono solistas.

 A rigor, a peça é uma missa completa, não uma verdadeira Messa di Gloria (que contém apenas o Kyrie e o Gloria e omite o Credo , Sanctus , Benedictus e Agnus Dei Puccini compôs a Missa como seu exercício de formatura no Istituto Musicale Pacini . 

Teve sua primeira apresentação em Lucca em 12 de julho de 1880. No entanto, o Credo já havia sido escrito e executado em 1878 e foi inicialmente concebido por Puccini como uma obra independente.

Puccini nunca publicou o manuscrito completo da Messa e, embora bem recebido na época, não foi encenado novamente até 1952 (primeiro em Chicago e depois em Nápoles).

 No entanto, reutilizou alguns de seus temas em outras obras, como o Agnus Dei em sua ópera Manon Lescaut e o Kyrie em Edgar . No final da Segunda Guerra Mundial , Pe. Dante Del Fiorentino comprou uma cópia antiga do manuscrito da Messa da família Vandini em Lucca , imaginando que fosse a partitura original. No entanto, o autógrafo, em poder da família Puccini, foi dado por sua nora à Ricordi, a editora de Puccini. A batalha legal que se seguiu foi finalmente resolvida com a divisão dos direitos da obra entre Ricordi e Mills Music (os editores do manuscrito de Fiorentino)

10 de Março

Em 1880 John Knowles Paine estreia em Boston a sua Sinfonia nº2 em lá op.34.

Brahms. 2 Rapsódias para piano op.79.

No ano de 1880 a 20 de Janeiro, Brahms estreia em Krefels as suas duas Rapsódias para piano op.79. 

 As duas Rapsódias para piano, Op. 79, de Johannes Brahms são obras fascinantes e ricas em emoção e complexidade. 

Compostas em 1879, elas destacam-se por uma intensidade expressiva, características típicas do estilo romântico, mas também pela habilidade técnica e pela profundidade emocional que Brahms sempre soube infundir em suas composições. Aq

ui estão algumas considerações sobre cada uma:

 Rapsódia nº 1 em B menor, Op. 79: 

 Esta peça começa com uma introdução dramática e melancólica, que dá lugar a uma seção central mais lírica e expressiva. Brahms mistura momentos de agitação com passagens de grande beleza e serenidade.

 

A peça parece refletir uma luta interna, com a alternância entre temas mais sombrios e outros mais delicados e introspectivos. 

O uso de temas de caráter quase folclórico, assim como as mudanças abruptas de dinâmica e textura, criam uma sensação de imprevisibilidade, algo que é uma característica do compositor. 

Ela também exige grande destreza técnica do pianista, especialmente nas passagens rápidas e nas variações de tempo. 

Rapsódia nº 2 em Fá maior, Op. 79: 

 Esta segunda Rapsódia é mais otimista e animada, embora também apresente momentos de maior introspecção. 

Ao contrário da primeira, que tem uma introdução bastante grave, a segunda começa de forma mais aberta e alegre, com uma melodia que evoca uma sensação de liberdade. 

Brahms utiliza novamente contrastes dinâmicos e variações de tempo, mas a peça se caracteriza por uma sensação de movimento mais contínuo e fluido, como se os temas se desdobrassem organicamente. 

A peça termina com um final vigoroso e triunfante, um contraste interessante com o caráter mais introspectivo da primeira. 

Ambas as rapsódias são construídas em torno de uma estrutura temática muito elaborada, com Brahms recorrendo a técnicas de desenvolvimento e variação que eram muito características de sua linguagem composicional. 

Além disso, as obras exigem grande expressividade e controle técnico do intérprete, tornando-as desafiadoras para os pianistas, mas também muito recompensadoras de se tocar e ouvir. 

 Em termos de interpretação, as rapsódias de Brahms exigem uma leitura que balanceie o virtuosismo técnico com uma profundidade emocional, que é uma marca registrada do compositor. A alternância entre momentos de grandiosidade e intimidade cria uma rica tapeçaria sonora que envolve o ouvinte de forma profunda. Rhapsody No. 1 Rhapsody nº 2

4 de Janeiro

Em 1880 a 4 de Janeiro, Brahms estreia em Leipzig o seu concerto 8 peças para Piano Op. 76, 

 As Oito Peças para Piano, Op. 76 de Johannes Brahms são um conjunto de composições para piano solo, escritas entre 1871 e 1878, representando uma fase de grande maturidade criativa do compositor. 

Essas peças são um excelente exemplo do domínio técnico e expressivo de Brahms no piano, equilibrando lirismo, complexidade harmônica e uma profundidade emocional característica de suas obras tardias. 

 As peças são divididas em dois gêneros principais: 

 Caprichos (Capriccios) – Mais enérgicos, apaixonados e muitas vezes com ritmos incisivos. 

Intermezzos (Intermezzi) – Mais introspectivos, líricos e reflexivos, com uma atmosfera quase meditativa. Essa dualidade expressa tanto a face tempestuosa quanto a sensível do compositor, criando um diálogo emocional entre as peças. 🎼

 Essas peças são frequentemente vistas como precursoras das composições tardias de Brahms, como os Intermezzi Op. 117 e Klavierstücke Op. 118 e 119. 

Elas oferecem uma síntese entre a profundidade emocional do romantismo e a precisão arquitetônica clássica, características que definem o estilo de Brahms.

 

Brahms-Abertura trágica op.81

Em 1880 a 26 de Dezembro, estreia em Viena Brahms a sua Abertura trágica Op. 81. Além das sinfonias, Brahms escreveu também duas aberturas. A Abertura Festival Académico que é uma obra alegre e circunstancial, que contrasta com esta Abertura Trágica, composta ao mesmo tempo, uma obra de uma nobreza quase sombria 

Brahms não está a contar uma tragédia específica; ele cria um estado trágico. É quase arquitetónico: blocos sonoros densos, temas curtos, martelados, como se o destino fosse uma força impessoal, inevitável. Nada de dramatismo operático à Wagner — aqui a tragédia é contida, austera, quase ética.

• 🔥 O tom em ré menor: clássico da gravidade, mas em Brahms soa ainda mais severo.

• 🪵 Os metais e os tímpanos: não são heroicos, são fatais. Parecem sentenças.

• 🌫️ A ausência de “consolo”: mesmo quando há lirismo, ele nunca se resolve. A música sabe que não vai escapar.

Curioso é que Brahms escreveu esta abertura como “par” da Abertura Académica, que é leve, festiva. Como quem diz: a vida tem cerveja e tem abismo. E ele dominava ambos.

Se puxarmos para o território poético (noite, sombras, resistência interna), esta abertura é quase um poema sem palavras sobre:

• luta silenciosa

• dignidade na dor

• aceitar o peso sem se quebrar

Não é música para chorar — é música para aguentar de pé.    

10 de Julho

• Em 1835 nasceu em Lubin na Polónia Birth o violinista e compositor Henryk WIENIAWSKIque viria a morrer em Moscovo a 31 de Março de 1880.

Aqui Ilga Suna interpreta a mazurca Kujawiak

5 de Janeiro

• Em 1880 nasce em Moscovo o compositor russo e pianista Nicolai MEDTNER que viria a morrer em Londres a 13 de Novembro de 1951.

Um jovem contemporâneo de Sergei Rachmaninoff e Scriabin Alexander , que escreveu um grande número de composições, para piano.

Seus trabalhos incluem quatorze sonatas para piano , três sonatas para violino , três concertos para piano , um quinteto para piano , três obras para dois pianos, muitas peças curtas, e 108 músicas, incluindo duas obras importantes para vocalizar.

Suas 38 peças para piano, para o qual ele parece ter inventado o título Skazki (geralmente conhecido como "Contos de Fadas", em Inglês, mas mais correctamente traduzido como "Tales") contém algumas das suas músicas mais originais e são tão centrais para sua produção para piano sonatas.

Aqui a interpretação é de Marc-André Hamelin tocando a Sonata Reminiscenza em lá menor, Op. 38 No. 1

• 1ªParte

• 2ªParte

Hans Rott-Sinfonia em mi maior

Em 1884 a 25 de Maio morreu em Viena com 26 anos o compositor  Hans Rott

Sua música é pouco conhecida hoje, porém, recebeu elogios na sua época de Gustav Mahler e Bruckner.

Hans Rott (1858–1884) foi um compositor austríaco, contemporâneo de Gustav Mahler, e sua Sinfonia em mi maior foi escrita entre 1878 e 1880. A sinfonia permaneceu inédita e não executada até a sua redescoberta no final do século XX, quando Gerhard Samuel e outros regentes trouxeram a obra para os palcos.

A sua sinfonia em mi maior, que só foi estreada em 1989 pela Philharmonia Orchestra de Cincinnati sob direcção Gerhard Samuel.

A Sinfonia em Mi começou quando Rott tinha vinte anos. Quando o concluiu em 1880, ele tentou interessar Hans Richter e depois Johannes Brahms

 A sinfonia de Rott é frequentemente vista como uma obra precursora do estilo sinfónico de Mahler. Mahler chegou a dizer que Rott era um gênio e que se ele tivesse vivido mais tempo, teria revolucionado a música.

A orquestração é rica, com uso imaginativo dos metais e cordas, além de passagens que claramente prenunciam o lirismo e o dramatismo das sinfonias mahlerianas. Rott morreu jovem, aos 25 anos, internado num hospital psiquiátrico. Sua saúde mental e o fim precoce adicionam uma aura de romantismo e tragédia à sua música.

 Ele foi enviado para um hospital psiquiátrico em Viena e, após uma tentativa de suicídio, para o Asilo de Insanos do Estado da Baixa Áustria, onde morreu em 1884, aos 25 anos.

Esta sinfonia causou uma pequena sensação quando foi descoberta há pouco tempo. Os ouvintes comentaram que parecia mais com Mahler do que com o próprio Mahler

Um primeiro movimento (Alla breve) com temas heroicos e contrastes dinâmicos.

Um Scherzo com energia rítmica vibrante.

Um Adagio de grande lirismo, quase um antecessor direto de Mahler.

Um Finale que busca uma conclusão triunfante, embora ainda juvenil e um pouco ingênua.

Dvorak-Sinfonia Nº6 em ré maior op.60

• Em 1881  a 25 de Março,  Dvorák estreou a Sinfonia nº6 em ré maior op.60. interpretada pela Prague Philharmonic, com Adolf Cech na condução.Foi dedicada a Hans Richter , que foi o maestro da Orquestra Filarmónica de Viena .

Antonín Dvořák compôs sua Sinfonia nº 6 em Ré maior, Op. 60, B. 112, em 1880. 

Foi publicado originalmente como Sinfonia nº 1 e é dedicado a Hans Richter, que foi o maestro da Orquestra Filarmônica de Viena. Com um tempo de execução de aproximadamente 40 minutos, a peça em quatro movimentos foi uma das primeiras grandes obras sinfônicas de Dvořák a chamar a atenção internacional. 

A Sinfonia nº 6 de Dvořák foi composta para a Filarmônica de Viena. Para compreender o contexto em que compôs esta sinfonia, devemos ter em consideração o clima e a recepção das primeiras obras de Dvořák em Viena.

No final de 1879, Hans Richter regeu a Filarmônica de Viena em um concerto por assinatura que incluiu a Terceira Rapsódia Eslava. 

Esta sinfonia é composta pelos seguintes andamentos

I. Allegro non tanto
II. Adagio
III. Scherzo (Furiant)_ Presto
IV. Finale_ Allegro con spirito

Fauré-Piano Quarteto nº 1 para piano e cordas em dó Op. 15

• Em 1880 Fauré estreia na Société Nationale de la Musqique Français em Paris o seu Piano Quarteto nº 1 para piano e cordas em dó Op. 15. Aqui a interpretação é  de Marc-André Hamelin e o  Leopold Trio.

O Piano Quarteto nº 1 em Dó menor, Op. 15 de Gabriel Fauré é uma das obras mais notáveis do compositor francês, sendo um exemplo brilhante de sua habilidade em integrar o piano com os instrumentos de cordas, criando uma sonoridade rica e equilibrada.

Composta em 1880 , a obra mostra uma fusão de sua estética musical suave e expressiva, com momentos de intensidade emocional e também de delicadeza, algo que caracteriza o estilo único de Fauré. Ele é conhecido por seu domínio da harmonia e pela sutileza no uso de modulações, e isso é bastante evidente neste quarteto.

A obra está dividida em quatro movimentos:

1. Allegro: O movimento de abertura começa com uma energia vigorosa e uma tensão dramática. Fauré utiliza a forma-sonata com grande maestria, criando contrastes interessantes entre os temas apresentados.

2. Andante: Este movimento tem um caráter mais lírico e melancólico, com o piano e as cordas dialogando de maneira intimista. A música se desenrola de forma expressiva, explorando uma rica paleta emocional.

3. Scherzo (Allegro): Aqui, o compositor introduz um tema mais leve e rítmico, com uma vivacidade que oferece um contraste agradável ao movimento anterior. O jogo entre os instrumentos é ágil e fluido, demonstrando o domínio de Fauré nas texturas musicais.

4. Finale (Allegro molto): O quarteto encerra com uma intensidade crescente, utilizando elementos de fuga e contraponto para construir uma conclusão impressionante.

A obra como um todo é muito equilibrada, com o piano e os instrumentos de cordas (violino, viola e violoncelo) tendo papéis bem definidos, mas com destaque para a interação entre todos os músicos. Fauré, que foi um dos compositores mais importantes da música francesa no final do século XIX, tem sua característica melancolia e harmonia sofisticada claramente presentes, mas também uma alegria sutil que permeia muitas passagens da obra.

O Quarteto para Piano e Cordas nº 1 é uma peça muito apreciada por músicos e auditores devido à sua complexidade, beleza e a emoção que transmite. Além disso, é uma das obras que estabeleceu Fauré como um dos maiores compositores do romantismo tardio francês.