Saint-Saenz-Piano Concerto nº4 em dó op44

Em 1875,a 31 de outubro Saint-Saëns Piano estreia em Paris o seu Piano Concerto No. 4 em dó Op. 44, conduzido por Edouard Colonne, também  sendo solista.

 O concerto é dedicado a Anton Door, professor de piano no Conservatório de Viena. Continua a ser um dos concertos para piano mais populares de Saint-Saëns, perdendo apenas para o Concerto para piano nº 2 em sol menor.

é uma obra fascinante, muito menos tocada que o 2º, mas de uma complexidade e originalidade estrutural que a tornam singular dentro do repertório romântico.

Estrutura inovadora:

Diferente da forma tradicional em três movimentos, Saint-Saëns compôs este concerto em dois grandes movimentos, cada um subdividido internamente em várias seções contrastantes. Isso cria um fluxo contínuo, quase sinfônico, em que temas reaparecem e se transformam — algo que antecipa ideias cíclicas de compositores posteriores.

O piano como narrador e não apenas virtuose:
Aqui o piano não é só o instrumento solista que domina a orquestra — ele dialoga e tece texturas com ela. A escrita pianística é densa, mas não ostentatória; a virtuosidade é intelectual e arquitetônica, mais que pirotécnica.

Caráter e contraste:
O primeiro movimento começa quase como uma fuga barroca, com austeridade e contraponto, mas logo se abre em lirismo e dramatismo.
O segundo movimento, mais longo, alterna entre momentos de serenidade lírica e passagens impetuosas, mostrando aquele Saint-Saëns elegante, de ironia refinada e equilíbrio clássico — mesmo quando a emoção transborda.

Clima geral:

Menos teatral que o 2º Concerto, mas mais filosófico e interior, o 4º tem um ar de meditação sobre a forma e sobre o próprio diálogo entre o solista e o todo. É uma peça de maturidade (1875), composta no auge da segurança técnica e da consciência estética do compositor. 

Saint-Saenz-Septeto em Mi maior Op. 65

O Septeto em Mi♭ maior, Op. 65, foi escrita por Camille Saint-Saëns entre 1879 e 1880 para a combinação incomum de trompete, dois violinos, viola, violoncelo, contrabaixo e piano.

 Como as suítes Op. 16, 49, 90, o septeto é uma obra neoclássica que revive as formas de dança francesa do século XVII, refletindo o interesse de Saint-Saëns pelas tradições musicais francesas amplamente esquecidas do século XVII.

 O septeto é dedicado a Émile Lemoine, matemático que em 1861 fundou a sociedade de música de câmara La Trompette. .

 Há muitos anos, Lemoine pedia a Saint-Saëns que compusesse uma peça especial com trompete para justificar o nome da sociedade, e ele respondia, brincando, que poderia criar uma obra para violão e treze trombones. 

Saint-Saëns acabou cedendo e, em 1879, apresentou a Lemoine uma peça intitulada Préambule como presente de Natal, prometendo mais tarde completar a obra com o Préambule como primeiro movimento.

 O septeto completo foi estreado com sucesso em 28 de dezembro de 1880.

Tchaikovsky-Piano Trio em lá menor op.50

Em 1882 a 30 de Outubro Tchaikovsky estreia em Moscovo na Russian Musical Society o seu Piano Trio em lá menor op. 50 

.Este  Trio  é uma das obras mais comoventes e complexas do repertório camerístico.

Foi composto em 1881–1882, em memória do grande pianista Nikolai Rubinstein, amigo e mentor de Tchaikovsky. O subtítulo que o compositor deu à obra — “À la mémoire d’un grand artiste” — já anuncia o seu caráter profundamente elegíaco.

Estrutura e caráter

O trio tem duas grandes partes, quase sinfônicas na ambição:

1. Pezzo elegiaco: Moderato assai (Lá menor)
   Uma ampla forma de sonata, sombria e nobre, em que o piano — naturalmente associado a Rubinstein — dialoga com o violino e o violoncelo num lamento solene. O tema principal tem um caráter quase fúnebre, mas nunca frio: Tchaikovsky trabalha com intensidade lírica e crescente desesperação.
   Há momentos de serenidade, mas sempre tingidos de nostalgia.

2. Tema com variações (A maior)
   — 11 variações e uma coda fúnebre.
   O tema é simples e luminoso, contrastando com o primeiro movimento, como se evocasse a lembrança feliz do amigo.
   As variações percorrem uma gama expressiva vastíssima: desde a leveza dançante até o virtuosismo quase pianístico (lembrando a energia de Rubinstein como intérprete).
   No final, a música se apaga em um marche funèbre, retomando o material do Pezzo elegiaco — o ciclo se fecha sobre si mesmo, num desfecho de dor resignada.

Linguagem e estilo

O trio mostra Tchaikovsky no auge de sua maturidade emocional e técnica:

• Texturas densas, quase orquestrais, especialmente no piano.

• Contrastes entre o lirismo russo e uma estrutura de tipo europeu (lembrando Schumann ou Brahms, mas com outra paleta emocional).

• A presença do tema da morte é transfigurada em memória afetiva e homenagem, mais do que lamento puro.

Curiosidade

Tchaikovsky, em geral, não gostava muito da música de câmara — dizia que “os instrumentos de cordas soam fracos frente ao piano”.
Mas este trio é uma exceção grandiosa: ele o escreveu com emoção verdadeira, e o resultado é tão intenso que Rachmaninoff, anos depois, comporia o seu Trio élégiaque diretamente inspirado nele.

Impressão geral

O Trio em Lá menor é um ritual de despedida: começa com dor contida, atravessa memórias e transformações, e termina com a aceitação melancólica da perda.

É uma peça que exige dos intérpretes não só técnica, mas também profundidade emocional — um diálogo entre amor, morte e lembrança. 

Shostakovitch-Violino Concerto nº1 em lá menor op.99

Em 1955 a 29 de Outubro, Dimitri Shostakovich estreia o seu Violin Concerto No. 1 op.99, tocado pela Leningrad Philharmonic conduzida por Yevgeny Svetlanov 

 O Concerto para violino n°1 em lá menor, Opus 77, foi originalmente escrita por Dmitri Shostakovitch em 1947 - 1948. 

 Este ainda estava trabalhando nesta peça na época da Doutrina Zhdanov, e no período posterior à sua denúncia do trabalho não pôde ser apresentado. 

 No período entre a finalização inicial da obra e sua primeira apresentação a 29 de outubro de 1955, o compositor e David Oistrakh trabalharam em várias revisões. 

A obra foi bem recebida pois .é uma das obras mais profundas e complexas do repertório violinístico do século XX.

🎼 Composição e contexto histórico
Shostakovich o compôs entre 1947 e 1948, mas — devido ao clima de censura durante o período Zhdanovista na União Soviética — a obra só foi estreada em 1955, com David Oistrakh como solista e Yevgeny Mravinsky regendo a Filarmônica de Leningrado. Oistrakh teve papel fundamental na gestação do concerto; Shostakovich o via como o intérprete ideal.

Estrutura e caráter
O concerto é uma viagem emocional em quatro movimentos, de uma densidade psicológica notável:

1. Nocturno – Moderato
   – Atmosfera sombria, introspectiva e contida.
   – O violino parece murmurar confissões noturnas.
   – Harmonicamente tenso, com tons de tragédia silenciosa — uma espécie de monólogo interior.

2. Scherzo – Allegro non troppo
   – Irônico e sarcástico, típico de Shostakovich.
   – O tema principal é quase demoníaco, lembrando o sarcasmo de seus quartetos de cordas.
   – Oistrakh o descreveu como um “diálogo com o diabo”.

3. Passacaglia – Andante
   – O coração da obra.
   – Baseia-se num baixo obstinado de oito compassos.
   – De profunda gravidade e intensidade emocional.
   – O violino ascende a um clímax devastador, terminando numa cadenza monumental, que liga diretamente ao último movimento.

4. Burlesque – Allegro con brio – Presto
   – Catártico e virtuoso.
   – O solista é levado ao limite técnico e expressivo.
   – Mistura de euforia e sarcasmo: uma libertação irônica após o peso da Passacaglia.

🎻 Aspectos interpretativos

Oistrakh pediu que Shostakovich revisse a orquestração, suavizando certos contrastes para destacar melhor o violino. A cadenza, longa e dramática, exige do intérprete não só técnica impecável, mas também profundidade narrativa — é uma confissão que culmina em um grito de libertação.     

Brahms-Violino sonata nº1 em sol menor op.78-adagio

 O Più andante embutido neste desenho pastel é particularmente comovente, com o motivo central transformado ritmicamente em marcha fúnebre.2 

É notável o papel de Clara Schumann e Félix Schumann, afilhado de Brahms, na génese deste movimento: por um lado, a letra de Clara Schumann datada de 2 de fevereiro de 1879, Brahms recebeu a notícia da rápida deterioração do estado de saúde de Félix Schumann, então ele, que normalmente não enviava fragmentos de obras inacabadas, enviou uma carta para Clara Schumann com o início (compassos 1- 24) do Adagio espressivo.3​4​ "

Querida Clara, se tocares essa música bem devagar, ela pode lhe dizer com mais clareza do que eu poderia de outra forma o quão calorosamente penso em ti  e em Felix, até mesmo em seu violino, que provavelmente está descansando.

 Obrigado do fundo do meu coração por sua carta;

 Johannes Brahms: Carta para Clara Schumann (Viena, entre 3 de fevereiro e por volta de 18 de fevereiro de 1879)

Tchaikovsky-Suite nº1 em ré menor op.43

A Suíte Orquestral nº 1 em Ré menor é uma suíte orquestral, Op. 43, escrito por Pyotr Ilyich Tchaikovsky em 1878 e 1879. Foi estreado em 20 de dezembro de 1879 em um concerto da Sociedade Musical Russa em Moscovo, dirigido por Nikolai Rubinstein. A peça é dedicada à patrona de Tchaikovsky, Nadezhda von Meck.

Faure-Berceuse-Op. 16

Berceuse, op. 16, é uma pequena peça de Gabriel Fauré, escrita por volta de 1879. Em sua versão original é para violino solo e piano. O compositor publicou posteriormente uma versão para violino e orquestra, e a obra foi arranjada por terceiros para diversas forças musicais.

Cesar Franck-Piano Quinteto em fá menor

Em 1880 a 17 de Janeiro, Cesar Franck estreia em Paris o seu Piano Quinteto em fá menor. 

 A obra foi composta em 1879 e foi descrita como uma das principais realizações de Franck ao lado de suas outras obras posteriores, como a Sinfonia em Ré menor, as Variações Sinfônicas, o Quarteto de Cordas e a Sonata para Violino. 

 A obra foi estreada pelo Quarteto Marsick, com Camille Saint-Saëns tocando a parte do piano, que Franck havia escrito para ele com uma nota anexada: "Para minha boa amiga Camille Saint-Saëns".

 Um pequeno escândalo se seguiu quando, ao final da peça, Saint-Saëns saiu do palco deixando a partitura aberta no piano, um gesto que foi interpretado como um sinal de desdém. 

 Esse manuscrito está agora na Bibliothèque nationale de France. O formulário publicado emitido por Hamelle em 1880 traz a dedicatória mais simples "À Camille Saint-Saëns

Poulenc-Sinfonietta para orquestra de câmara

Em 1948 a 24 de Outubro Poulenc estreia em Londres a sua Sinfonietta para orquestra de câmara interpretada pela BBC Orchestra Francis Poulenc foi um reconhecido compositor orquestral de balét e concertos, mas não se dedicou à sinfonia, consistindo a Sinfonietta em sua única incursão no gênero sinfônico. Contudo, a obra assombra pelo domínio da escrita para grande conjunto instrumental, intuitivamente realizada por um orquestrador autodidata que possuía todos os predicados para se tornar um grande sinfonista. O título, que significa pequena sinfonia, remete ao objetivo do compositor de criar uma obra menor.

Dvorak-Bagatelas op.74

Estas Bagatelas foram compostas em 12 dias no início de maio de 1878, que foi, em muitos aspectos, o ano de avanço de Dvorák em termos de sucesso internacional Dvorák ouviu o violinista Jan Pelikan (um velho amigo de seus tempos juntos na Orquestra do Teatro Nacional) dando aulas para um aluno vizinho, e o compositor decidiu escrever um trio para para tocar viola com ele.

Joseph Joachim Raff-Violino Concerto No. 2 em lá menor Op. 206

Joseph Joachim Raff (27 de maio de 1822 - 24 ou 25 de junho de 1882) foi um compositor, pedagogo e pianista germano-suíço. Raff nasceu em Lachen, na Suíça. 

Seu pai, um professor, fugiu de Württemberg para lá em 1810 para escapar do recrutamento forçado para o exército daquele estado do sudoeste da Alemanha que teve de lutar por Napoleão na Rússia.

 Joachim foi em grande parte autodidata em música, estudando enquanto trabalhava como professor Ele enviou algumas de suas composições para piano a Felix Mendelssohn, que as recomendou à Breitkopf & Härtel para publicação. Raff também compôs na maioria dos outros gêneros, incluindo concertos, ópera, música de câmara e obras para piano solo. 

Suas obras de câmara incluem cinco sonatas para violino, uma sonata para violoncelo, um quinteto de piano, dois quartetos de piano, um sexteto de cordas e quatro trios de piano. 

Muitas dessas obras são agora registradas comercialmente.

 Ele também escreveu inúmeras suítes, algumas para grupos menores (há suítes para piano solo e suítes para quarteto de cordas), algumas para orquestra e uma para piano e orquestra e uma para violino e orquestra.

Brahms-Violino concerto em ré maior op.7

O Concerto para Violino em Ré Maior, Op. 77, foi composta por Johannes Brahms em 1878 e dedicada ao seu amigo, o violinista Joseph Joachim. É o único concerto para violino de Brahms e, segundo Joachim, um dos quatro grandes concertos para violino alemães: Os alemães têm quatro concertos para violino. O maior e mais intransigente é o de Beethoven. O de Brahms compete com ele em seriedade. O mais rico, o mais sedutor, foi escrito por Max Bruch. Mas a mais íntima, a joia do coração, é a de Mendelssohn.

Sibelius-Sinfonia nº5 em mi bemol maior op.82

Em 1921 a 21 de Outubro estreia em Helsinquia a última versão da fabulosa Sinfonia nº5 em mi bemol maior op.82, de Sibelius 

 Antes da versão definitiva, a Sinfonia nº 5 passou por duas grandes modificações. A original (que tinha quatro movimentos) foi estreada em Helsinque em 8 de dezembro de 1915 – dia do 50º aniversário do músico. 

Mas a partitura que prevaleceu como definitiva foi a da terceira revisão, publicada em 1919, com apenas três movimentos. 

Tornou-se uma das mais apreciadas obras de Sibelius.

Alguns pontos que a tornam especial:

1. Arquitetura orgânica:
   Em vez de uma sucessão de movimentos contrastantes no molde clássico, Sibelius cria um fluxo contínuo de ideias musicais que parecem nascer umas das outras. É como se a sinfonia “crescesse” organicamente, como uma árvore — uma metáfora que o próprio compositor usava.

2. Primeiro movimento (Tempo molto moderato – Allegro moderato):
   Começa com trompas evocando o espaço amplo e o despertar da natureza — uma paisagem sonora vasta, quase cósmica. Aos poucos, o tema se transforma num movimento de voo, como gansos migratórios no céu (uma imagem que inspirou Sibelius).

3. Segundo movimento (Andante mosso, quasi allegretto):
   Lírico, mas com uma serenidade que parece suspensa — uma dança contida, quase camponesa, que dá um respiro pastoral antes da grande ascensão final.

4. Terceiro movimento (Allegro molto – Misterioso – Finale):
   É um dos finais mais impressionantes de toda a música sinfônica: o tema triunfal dos metais — às vezes chamado de “tema do cisne” — eleva-se em majestosidade, culminando num desfecho abrupto e genial com seis acordes isolados, como golpes do destino. Esses acordes, espaçados e cheios de ar, criam uma sensação de monumentalidade e silêncio que é puramente sibeliana.

Emocionalmente:

A Quinta Sinfonia oscila entre contemplação e êxtase, entre a solidão nórdica e uma alegria cósmica quase mística. É música da natureza, mas também da alma — uma reconciliação entre o homem e o infinito.    

Brahms-Sinfonia nº2 em ré maior op.73

Sinfonia nº 2 em Ré maior, Op. 73, foi composta por Johannes Brahms no verão de 1877, durante uma visita a Pörtschach am Wörthersee, uma cidade na província austríaca da Caríntia. 

Sua composição foi breve em comparação com os 21 anos que Brahms levou para completar sua Primeira Sinfonia. 

 O clima alegre e quase pastoral da sinfonia muitas vezes convida a comparações com a Sexta Sinfonia de Beethoven, mas, talvez maliciosamente, Brahms escreveu ao seu editor em 22 de novembro de 1877 que a sinfonia “é tão melancólica que você não será capaz de suportá-la. nunca escrevi nada tão triste, e a partitura deve sair em luto."

 A estreia foi realizada em Viena em 30 de dezembro de 1877 pela Filarmônica de Viena  

Brahms-String sextet nº1 em si bemol maior op 18

Em 1860 a 20 de outubro Johannes Brahms estreia em Hanover o seu String Sextet No. 1 em si bemol maior Op. 18. 

 Brahms escreveu sua primeira obra de câmara para cordas, nos anos mais emocionalmente tumultuados de sua jovem vida. 

A relação entre Brahms e Clara Schumann está bem documentado, e no final de 1856 atingiu um nível devastador 

Embora Clara agora amasse Brahms abertamente e estivesse livre para fazê-lo após a morte de seu marido Robert, Brahms deixou claro que não tinha intenção de se casar com ela. 

 A atitude de Brahms em relação a Clara permaneceria neste estado durante toda a sua vida: idealizada,imaginado, mas nunca fundado na realidade.

Faure-Sonata para violino nº 01 em lá maior op. 13

A Sonata para violino nº 1 em lá maior, op. 13, foi escrita por Gabriel Fauré de 1875 a 1876. 

É considerada uma das três obras-primas de sua juventude, junto com o primeiro quarteto de piano e a Balada em F♯ maior

 A sonata foi concebida no verão de 1875 durante uma estadia em Sainte-Adresse com a família de Camille Clerc, um proeminente industrial e apoiador de sua obra, e concluída no outono de 1876. 

 Clerc, que mantinha excelentes relações com o a renomada editora Breitkopf & Härtel, com sede em Leipzig, fez esforços consideráveis para publicar o trabalho de Fauré. No entanto, a Breitkopf & Härtel só estava disposta a publicar a sonata se Fauré renunciasse aos seus honorários: "M. Fauré não é conhecido na Alemanha e o mercado está transbordando de obras deste tipo, embora muitas vezes sejam inferiores àquela que nós' estamos discutindo."

 Fauré aceitou esses termos, e a obra foi finalmente publicada em fevereiro de 1877, poucas semanas após a estreia em 27 de janeiro de 1877.

Brahms-String quarteto nº2 em lá op.51

Em 1837 a 18 de Outubro Johannes Brahms estreia em Berlim o seu String Quartet nº2 em lá, Op. 51. O Quarteto em Lá menor foi, na verdade, estreado dois meses antes do suposto número 1 da dupla, embora ambos tenham sido enviados à editora de Brahms ao mesmo tempo. É o mais expansivo e mais lírico dos dois, e também é rico em maravilhas contrapontísticas, especialmente cânones. Brahms reverenciou Bach, considerando a publicação das obras completas de Bach, iniciada em 1850, um dos eventos mais importantes de sua vida.

Mendelssohn-Piano Concerto No. 1 em sol Op. 25

Em 1831 a 17 de Outubro Feliz Mendelssohn estreia em Munique o seu Piano Concerto No. 1 em sol Op. 25, com o compositor como solista.é uma das obras mais vibrantes e brilhantes do início do romantismo, escrita quando o compositor tinha apenas 21 anos. 

Foi concluído em 1831 durante uma viagem pela Itália e estreado no mesmo ano em Munique, com Mendelssohn ao piano.

Estrutura geral

O concerto segue a estrutura clássica em três andamentos, mas Mendelssohn introduz elementos inovadores, sobretudo na forma de transição entre as secções:

1. Molto allegro con fuoco (Sol menor)

   • O concerto começa de forma abrupta e apaixonada, sem a longa introdução orquestral típica dos concertos clássicos (como nos de Mozart ou Beethoven).

   • A orquestra apresenta rapidamente o tema principal e o piano entra quase de imediato com energia fulgurante.

   • O diálogo entre solista e orquestra é muito vivo — Mendelssohn evita os momentos de “brilho vazio” e privilegia a integração musical.

   • O desenvolvimento e a reexposição alternam virtuosismo pianístico com passagens líricas.

   • A cadência tradicional é substituída por escrita orquestral contínua; Mendelssohn preferiu manter o impulso dramático sem “parar” para uma cadência solista longa.

2. Andante (Mi maior)

   • Uma secção lírica, quase como uma canção sem palavras, característica do estilo íntimo e elegante de Mendelssohn.

   • O piano canta uma melodia serena, acompanhada pela orquestra de maneira delicada.

   • O contraste com o primeiro andamento é forte: aqui reina a calma e a ternura, preparando o terreno para o final jubiloso.

3. Presto – Molto allegro e vivace (Sol maior)

   • Ligado sem pausa ao Andante (transição direta), começa com uma breve introdução misteriosa e logo explode num movimento rápido e festivo.

   • O piano apresenta passagens de grande virtuosismo técnico, mas sempre inseridas num contexto musical claro e alegre.

   • O tom menor do início transforma-se em Sol maior triunfante, dando à obra um caráter ascendente, quase narrativo — da paixão inicial à luz final.

Inovações e estilo

• Mendelssohn rompe com a tradição clássica ao eliminar as longas introduções orquestrais.

• Prefere transições contínuas entre os andamentos, criando uma experiência mais fluida e teatral.

• O concerto combina virtuosismo pianístico (com passagens rápidas, arpejos e escalas brilhantes) com um sentido melódico lírico e clareza formal típica do compositor.

• A orquestração é leve e transparente, nunca abafando o piano, mas dialogando com ele.

Receção e legado

• A estreia foi um sucesso imediato. O público e a crítica ficaram impressionados com a frescura da obra.

• Franz Liszt, por exemplo, tocou o concerto muitas vezes, ajudando a popularizá-lo.

• Durante o século XIX, foi uma peça frequente nos programas de concerto.

• Hoje, embora o Concerto n.º 2 de Mendelssohn seja menos tocado, o n.º 1 continua a ser uma das obras favoritas do repertório romântico para piano — apreciada pela combinação de brilho juvenil e elegância clássica.

      

Mahler-Piano Quarteto em Lá Meno

O Quarteto para Piano em Lá Menor, ou mais exatamente o Movimento Quarteto para Piano, Violino, Viola e Violoncelo em Lá Menor, de Gustav Mahler é o primeiro movimento de um quarteto de piano abandonado e a única peça sobrevivente de música de câmara instrumental do compositor. 

 Mahler começou a trabalhar nele no final do seu primeiro ano no Conservatório de Viena, quando tinha cerca de 15 ou 16 anos de idade. A peça teve sua primeira apresentação em 10 de julho de 1876, no conservatório com Mahler ao piano,mas não está claro pela documentação sobrevivente se o quarteto estava completo nesta época.

 Em diversas cartas, Mahler menciona um quarteto ou quinteto, mas não há nenhuma referência clara a este quarteto de piano. 

Após esta apresentação o trabalho foi realizado na casa do Dr. Theodor Billroth, que era amigo próximo de Johannes Brahms.

 A última apresentação conhecida do Quarteto no século 19 foi em Iglau, em 12 de setembro de 1876, com Mahler novamente ao piano; foi executada junto com uma sonata para violino de Mahler que não sobreviveu. 

 Parece que a certa altura Mahler desejou publicar o Quarteto, já que o manuscrito sobrevivente, que inclui 24 compassos de um scherzo para quarteto de piano escrito em sol menor, traz o selo do editor Theodor Rättig. 

 Após a redescoberta do manuscrito pela viúva de Mahler, Alma Mahler, na década de 1960, a obra foi estreada nos Estados Unidos em 12 de fevereiro de 1964, no Philharmonic Hall na cidade de Nova York, por Peter Serkin e o Quarteto Galimir. Quatro anos depois, foi apresentada no Reino Unido em 1º de junho de 1968, no Purcell Room, em Londres, pelo Nemet Ensemble.

Eduard Lalo-Sinfonia espanhola em ré menor

A Sinfonia Espanhola é uma obra para violino e orquestra composta por Édouard Lalo, sua 21ª obra em Ré menor.

 Escrita em 1874 para o violinista Pablo de Sarasate, foi estreada pelo dedicatário nos Concertos Populares de Paris em 7 de fevereiro de 1875

. Oficialmente uma sinfonia, é considerado hoje um concerto para violino pelos músicos. 

A obra foi escrita num período em que os ritmos latinos estavam em voga (Carmen de Georges Bizet foi apresentada ao público um mês depois). 

 A Sinfonia Espanhola é uma das obras mais conhecidas de Lalo. Foi um sucesso desde a sua criação e permitiu ao seu autor fazer nome. Soa bem e por isso dá especial prazer aos violinistas que o tocam. 

 Está escrito em cinco movimentos

Miaskovsky-Sinfonia No. 13 em si menor op.36

Em 1934 a 16 de Outubro Miaskovsky estreia em Winterthu na Suiça a sua Sinfonia nº13 em si menor op.36 interpretada pela . Musikkollegium orquestra dirigida por Hermann Scherchen

É uma das obras sinfônicas mais notáveis do compositor russo, situada no seu período intermédio, em que a linguagem musical começa a mover-se de um romantismo tardio para um estilo mais direto e acessível, em sintonia parcial com as exigências estéticas do realismo socialista, que ganhavam força na União Soviética.

• Estrutura em 3 movimentos

1. Allegro moderato

   • Movimento em forma sonata, com um primeiro tema sombrio e tenso, contrastando com um segundo tema mais lírico.

   • É típico do estilo de Miaskovsky da década de 1930: amplo, de escrita densa e contrapontística, com forte senso de desenvolvimento temático.

2. Adagio espressivo

   • Um movimento lento profundamente emotivo, muitas vezes descrito como “confessional”.

   • A melodia central é ampla e cantabile, lembrando certos momentos introspectivos de Tchaikovsky ou Rachmaninov, mas com harmonias mais modernistas, às vezes cromáticas.

3. Allegro energico

   • Final vigoroso, de caráter rítmico acentuado.

   • Alterna passagens dramáticas com momentos de brilho quase heroico, mas termina num tom ambíguo, não triunfal — algo característico de Miaskovsky, que muitas vezes termina as sinfonias com tons sombrios ou reflexivos.

Estilo e importância

A Sinfonia n.º 13 marca um momento de transição:

• Antes: Miaskovsky era mais próximo de Scriabin e do tardo-romantismo russo, com cromatismos e complexidade harmônica.

• Aqui: Ele simplifica a linguagem, mantém um lirismo intenso e um desenvolvimento rigoroso, mas já se aproxima de um estilo mais “comunicativo” e direto, preparando o terreno para as sinfonias da década de 1940.

• A obra combina profundidade psicológica com força sinfônica clássica, e é frequentemente apontada como uma das mais bem estruturadas do seu ciclo de 27 sinfonias.

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Tchaikovsky-O lago dos cisnes op.20

Lago dos Cisnes , Op. 20, é um balé composto pelo compositor russo Pyotr Ilyich Tchaikovsky em 1875-76. Apesar do fracasso inicial, é hoje um dos balés mais populares de todos os tempos. O cenário, inicialmente em dois atos, foi formado a partir de contos folclóricos russos e alemães e conta a história de Odette, uma princesa transformada em cisne pela maldição de um malvado feiticeiro. O coreógrafo da produção original foi Julius Reisinger (Václav Reisinger). O balé foi estreado pelo Balé Bolshoi em 4 de março [O.S. 20 de fevereiro] 1877 no Teatro Bolshoi em Moscovo . Embora seja apresentado em muitas versões diferentes, a maioria das companhias de balet baseia suas encenações, tanto coreográfica quanto musicalmente, no renascimento de Marius Petipa e Lev Ivanov em 1895, encenado pela primeira vez para o Balé Imperial em 15 de janeiro de 1895, no Teatro Mariinsky em São Petersburgo. Para este renascimento, a partitura de Tchaikovsky foi revisada pelo maestro e compositor principal do Teatro Imperial de São Petersburgo, Riccardo Drigo.

Tchaikovsky-Sinfonia nº 3 em ré maior op.29

Sinfonia nº 3 em Ré maior de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Op. 29, foi escrito em 1875. Ele começou na propriedade de Vladimir Shilovsky em Ussovo em 5 de junho e terminou em 1º de agosto em Verbovka. Dedicada a Shilovsky, a obra é única na produção sinfônica de Tchaikovsky de duas maneiras: é a única de suas sete sinfonias (incluindo a incontável Sinfonia de Manfred) em tom maior (descontando a Sinfonia inacabada em Mi♭ maior); e é o único que contém cinco movimentos (um movimento Alla tedesca adicional ocorre entre o movimento de abertura e o movimento lento). A sinfonia foi estreada em Moscovo em 19 de novembro de 1875, sob a batuta de Nikolai Rubinstein, no primeiro concerto da temporada da Sociedade Musical Russa. Teve sua estreia em São Petersburgo em 24 de janeiro de 1876, sob o comando de Eduard Nápravník. A sua primeira apresentação fora da Rússia foi em 8 de fevereiro de 1879, num concerto da Sociedade Filarmónica de Nova Iorque.

Verdi-Requiem

A Messa da Requiem (antigamente chamada de Manzoni Requiem) é um cenário musical da missa fúnebre católica (Requiem) para quatro solistas, coro duplo e orquestra de Giuseppe Verdi. Foi composta em memória de Alessandro Manzoni, a quem Verdi admirava. A primeira apresentação, na igreja de San Marco, em Milão, em 22 de maio de 1874, marcou o primeiro aniversário da morte de Manzoni. Considerada muito operística para ser apresentada em ambiente litúrgico, geralmente é apresentada em forma de concerto com cerca de 90 minutos de duração. O musicólogo David Rosen a chama de "provavelmente a grande obra coral composta com mais frequência desde a compilação do Requiem de Mozart".

Anton Rubistein-Piano concerto nº4 op.70

Em 1872 a 23 de setembro Anton Rubinstein um dos maiores pianistas de sempre faz a sua estreia em Nova York aqui apresento o seu Piano Concerto nº4 op.70 provavelmente a sua obra mais famosa Anton Rubinstein, ele próprio um renomado pianista, deixou cinco concertos para piano numerados. (Ele escreveu três concertos para piano anteriores; dois foram perdidos e o terceiro foi transformado em Octeto, Op. 9.)

Ele publicou duas revisões dele e depois uma revisão final em 1872. Ele dedicou o concerto ao violinista Ferdinand David.

O Concerto para Piano n.º 4 em Ré menor, Op. 70 de Anton Rubinstein é uma das obras mais conhecidas do compositor russo, apesar de hoje ele não estar no repertório tão central quanto Liszt, Chopin ou Rachmaninov.

Aqui alguns pontos de destaque sobre ele:

• Composição e estilo:
  Foi escrito em 1864 e mostra bem o estilo virtuosístico de Rubinstein, que foi um pianista lendário em sua época. O concerto combina o brilho pianístico — passagens rápidas, escalas, acordes poderosos — com uma linguagem orquestral densa e um tanto “alemã” em espírito, influenciada por Mendelssohn e Schumann.

• Forma:
  Segue a estrutura tradicional em três movimentos:

  1. Moderato – grandioso, com um clima sombrio típico da tonalidade de ré menor. O piano entra de maneira bastante dramática.

  2. Andante – lírico, mais cantabile, com forte apelo melódico, quase uma canção sem palavras.

  3. Allegro – brilhante e enérgico, cheio de exigências técnicas, mostrando o lado virtuoso de Rubinstein.

• Importância histórica:
  Esse concerto, junto com o n.º 3 e o n.º 5, foi bastante tocado no século XIX. Rubinstein, como intérprete, costumava usá-lo como veículo para mostrar seu poderio pianístico. Era considerado por Liszt e outros um pianista de fogo, e esse concerto traz justamente esse caráter explosivo.

• Estilo comparado:
  Se pensares em Chopin e Liszt como referências, Rubinstein fica em algum ponto entre eles: não tem o mesmo refinamento harmônico de Chopin nem a ousadia visionária de Liszt, mas tem muito brilho, lirismo direto e, acima de tudo, uma força pianística avassaladora.

Hoje em dia, o Concerto n.º 4 é o mais gravado dos cinco concertos de Rubinstein.  

Verdi-Quarteto de Cordas em Mi meno

O Quarteto de Cordas em Mi menor de Giuseppe Verdi foi escrito na primavera de 1873 durante uma produção de Aida em Nápoles. É a única obra de música de câmara sobrevivente no catálogo de Verdi.

Ralph Vaughan Williams-Sinfonia nº. 1 op.52

Em 1910 a 6 de Outubro, Ralph Vaughan Williams estreia em Leeds a Symphony No. 1, A Sea Symphony op.52. è uma sinfonia coral com poemas de Walt Whitman.

A Sinfonia n.º 1, Op. 52, também conhecida como “A Sea Symphony”, é uma das obras mais monumentais de Ralph Vaughan Williams. Composta entre 1903 e 1909 (e revista até 1925), foi estreada em 1910 no Festival de Leeds, com a regência do próprio compositor.

Embora seja chamada de “Sinfonia”, trata-se de uma obra para orquestra, coro e dois solistas (soprano e barítono), o que a aproxima bastante de um oratório sinfônico.

Contexto e Texto

Vaughan Williams baseou-se em poemas de Walt Whitman, sobretudo da coletânea Leaves of Grass. Ele encontrou na poesia de Whitman uma linguagem universal e espiritual, que lhe permitiu transcender os moldes sinfônicos germânicos dominantes na época.
Os textos celebram o mar como metáfora do infinito, da jornada humana e do espírito explorador.

Estrutura em 4 movimentos

1. A Song for All Seas, All Ships
   – Grandioso e quase wagneriano no uso do coro e da orquestra. É uma ode à viagem e aos navegantes, abrindo com uma explosão coral “Behold, the sea itself!”.

2. On the Beach at Night Alone
   – Movimento mais introspectivo, centrado no barítono e no coro, com atmosfera contemplativa e harmonia refinada. A música evoca o mistério do cosmos refletido no mar noturno.

3. Scherzo: The Waves
   – Aqui a orquestra toma a dianteira, pintando um retrato vívido e quase impressionista das ondas em movimento. É o trecho mais puramente sinfônico, com escrita rítmica complexa e muito brilho orquestral.

4. The Explorers
   – Movimento final extenso e transcendental, baseado no trecho “Passage to India” de Whitman. A música celebra a expansão espiritual e a exploração do desconhecido. A sinfonia termina num clima de ascensão, quase mística.

Estilo musical

• Harmonia modal típica de Vaughan Williams, influenciada pelo canto coral inglês e pela música renascentista britânica.

• Orquestração rica e luminosa, às vezes lembrando Debussy, mas com identidade britânica muito marcada.

• O uso do coro como parte integrante da arquitetura sinfônica (não apenas como adorno) foi inovador para a música inglesa da época.

Importância

• É considerada a primeira grande sinfonia coral britânica, e estabeleceu Vaughan Williams como um dos principais compositores da Inglaterra do século XX.

• Rompeu com o domínio germânico, abrindo espaço para uma voz nacional inglesa no campo sinfônico.

• Antecede em alguns anos obras como a Sinfonia dos Salmos de Stravinsky (1930) e outras sinfonias corais modernas.

 

Saint-Saenz-Romance op 37

O Romance em Ré maior, Op. 37, é uma composição de Camille Saint-Saëns para flauta, acompanhada de piano ou orquestra, escrita em março de 1871. A peça foi composta logo após a Guerra Franco-Prussiana. Após a assinatura do Armistício de Versalhes em 28 de janeiro de 1871, a Comuna de Paris assumiu o poder em Paris em 18 de março. Temendo pela sua segurança, Saint-Saëns fugiu para o exílio em Londres. Sob estas condições extremas, ele escreveu o Romance, uma peça encantadora que parece não ser perturbada musicalmente pelas circunstâncias da composição A peça foi dedicada a Amédée de Vroye um flautista então conhecido. Por causa da agitação política na França, a obra foi estreada por de Vroye e Saint-Saëns em meados de 1871 em Baden-Baden, Alemanha A estreia em Paris foi dada por Paul Taffanel e Saint-Saëns em um concerto da Société nationale de musique na Salle Pleyel em 6 de abril de 1872. Saint-Saëns era um amigo próximo de Taffanel, tornando-se até padrinho de sua filha. Taffanel se tornaria o verdadeiro campeão do Romance, realizando-o inúmeras vezes ao longo dos anos

Tchaikovsky-Quarteto de cordas nº 01 em Ré maior Op. 11

Quarteto de cordas nº 1 em Ré maior de Pyotr Ilyich Tchaikovsky Op. 11 foi o primeiro de seus três quartetos de cordas completos publicados durante sua vida. Uma tentativa anterior foi abandonada após a conclusão do primeiro movimento Composto em fevereiro de 1871, foi estreado em Moscvo em 16/28 de março de 1871 por quatro membros da Sociedade Musical Russa: Ferdinand Laub e Ludvig Minkus, violinos; Pryanishnikov, viola; e Wilhelm Fitzenhagen, violoncelo. Tchaikovsky arranjou o segundo movimento para violoncelo e orquestra de cordas em 1888.