Bruckner-Sinfonia nº 2 em dó menor

Em 1873  a 26 de outubro Bruckner estreou a sua Sinfonia nº 2 em dó menor em Viena com a orquestra por si conduzida

A Sinfonia Nº 2 em Dó menor foi escrita pelo compositor Anton Bruckner entre 11 de outubro de 1871 e 11 de setembro de 1872.

 

25 de Outubro

Em 1875 Tchaikovsky estreia em Boston o seu Concerto para piano Nº 1 em si bemol maior op.23.Interpretado por Hans Von Bulow sob a condução de Benjamin J. Lang. Aqui a interpretação é de Lang Lang

Jean Sibelius: Symphony No. 5

Schubert-Sinfonia nº2 em si bemol maior D.125

Em 1877 a 20 de outubro,  Franz Schubert estreia em Berlim a sua Sinfonia nº2 em si bemol maior D.125 Aqui a interpretação é da Frankfurt Radio Symphony ∙ Andrés Orozco-Estrada, Dirigent ∙ 

A Sinfonia n.º 2 é uma das obras orquestrais mais interessantes do seu período juvenil — composta em 1814–1815, quando ele tinha apenas 17 ou 18 anos. Embora ainda revele a influência forte de Haydn, Mozart e Beethoven, já se percebe nela uma voz própria, especialmente no tratamento melódico e no lirismo característico de Schubert.

I. Largo — Allegro vivace (Si bemol maior)

A introdução lenta (Largo) tem um caráter quase solene, abrindo espaço para um Allegro vivace leve, cheio de energia juvenil. Nota-se uma clara herança clássica — o uso de forma sonata é bastante disciplinado — mas Schubert tempera isso com melodias cantáveis e um sentido harmônico mais aventureiro do que era comum em Haydn, por exemplo. O desenvolvimento modula com liberdade surpreendente para um compositor tão jovem.

II. Andante (Mi bemol maior)

Este segundo movimento é uma série de variações sobre um tema simples e gracioso. Cada variação apresenta novas cores instrumentais e mudanças de caráter: ora delicado, ora mais vigoroso. Aqui Schubert mostra já um talento especial para orquestração clara e para melodias que parecem quase vocais, como se uma canção estivesse escondida na textura instrumental.

III. Menuetto: Allegro vivace — Trio (Si bemol maior / Sol menor)

O Minueto é ritmicamente incisivo e lembra bastante Beethoven nos seus scherzi iniciais, embora mantenha o título tradicional “Menuetto”. O Trio, em Sol menor, cria um contraste mais sombrio e dramático, antes do retorno ao clima mais jovial do Minueto. Aqui se nota um jogo expressivo entre luz e sombra que antecipa o Schubert maduro.

IV. Presto (Si bemol maior)

O Finale é vibrante, cheio de energia rítmica e vitalidade. A escrita orquestral é ágil, e Schubert mostra domínio da forma rondó-sonata, com um tema principal muito marcante. Há ecos do espírito lúdico de Haydn, mas com um colorido harmônico mais pessoal e fresco. É um desfecho alegre e brilhante, típico de uma sinfonia juvenil, mas tecnicamente muito bem construída.

Em contexto histórico e estilístico

• A Sinfonia n.º 2 foi escrita pouco depois da n.º 1 (D. 82), ainda na Viena do pós-Napoleão.

• Não foi publicada nem amplamente executada durante a vida de Schubert.

• Orquestra clássica relativamente pequena, sem trombones (como nas sinfonias iniciais).

• Mostra já a sua inclinação para o lirismo melódico, contrastando com a estrutura clássica herdada.

• É uma obra excelente para perceber como Schubert assimila a tradição clássica e começa a transformá-la.

Em resumo:

A Sinfonia n.º 2 é uma obra juvenil, mas refinada, cheia de vitalidade, com momentos de genuíno lirismo schubertiano. Não tem o peso dramático das últimas sinfonias, mas tem um frescor e uma elegância que a tornam uma joia do repertório clássico inicial de Schubert..

George Chadwick-Sinfonia nº3

 A 19 de Outubro em 1894 George Whitefield Chadwick estreia em Boston a sua Sinfonia nº 3

 é, geralmente, considerada a sua obra sinfónica mais madura e uma das peças orquestrais mais representativas do chamado “Segundo Renascimento Musical Americano” do final do século XIX. Foi composta entre 1893 e 1894 

Contexto histórico e estético

• Chadwick foi um dos principais compositores da chamada “Boston Six” — um grupo de músicos americanos que estudaram na Europa e trouxeram para os EUA a tradição sinfónica germânica (especialmente de Brahms e Schumann), combinando-a com um gosto nacionalista emergente.

• A Terceira Sinfonia é um exemplo claro desse sincretismo: estrutura formal clássica, mas com uma energia rítmica e um colorido orquestral mais “americano” e pessoal.

• Estrutura

A sinfonia segue a forma tradicional em quatro andamentos:

1. Allegro — Clássico em forma-sonata, com temas líricos e desenvolvimento vigoroso. Nota-se a clareza da orquestração e um domínio harmónico muito sólido.

2. Andante semplice — Movimento lento de grande delicadeza, com melodias cantáveis e tratamento orquestral refinado. Alguns críticos veem aqui ecos de Dvořák, que esteve em Nova Iorque na época.

3. Scherzo: Presto — Brilhante, espirituoso e cheio de vitalidade rítmica. Este scherzo é frequentemente apontado como uma das passagens mais “americanas” da sinfonia — leve, dançante, quase folclórica.

4. Allegro molto — Final enérgico, com um tratamento contrapontístico sólido e temas que retomam motivos anteriores, conferindo coesão cíclica à obra.

Características musicais marcantes

• Orquestração brilhante — Chadwick era mestre em usar cores instrumentais, especialmente madeiras e metais, de modo transparente e eficaz.

• Temas claros e memoráveis — Ao contrário de muitos contemporâneos americanos ainda presos ao academismo, Chadwick já apresenta um estilo pessoal, com melodias fluidas e bem definidas.

• Ritmo e leveza — O scherzo e alguns trechos do finale têm um frescor rítmico que prenuncia o estilo mais nacional dos compositores americanos do século XX.

Recepção e legado

Na estreia, a Sinfonia n.º 3 foi muito elogiada pela crítica de Boston, e consolidou Chadwick como o mais sólido sinfonista americano da sua geração. Embora tenha sido eclipsada posteriormente por nomes como Ives, Copland ou Bernstein, hoje ela é vista como uma obra-chave do repertório sinfónico americano pré-moderno, com gravações importantes realizadas a partir do final do século XX. 

Alan Hovhaness-Sinfonia n. 3 op 148

Em 1956 a 14 de Outubro, Alan Hovhaness estreia a Sinfonia n. 3 op 148, Symphony of the Air, com Leopold Stokowski conduzindo a orquestra

A Sinfonia n.º 3, Op. 148 de Alan Hovhaness é uma das obras sinfónicas mais representativas do estilo contemplativo e espiritual do compositor.  esta sinfonia tem uma duração aproximada de 15 a 20 minutos e estrutura-se em três movimentos, seguindo um modelo clássico, mas com linguagem muito própria:

1.º movimento – Andante

Este movimento estabelece imediatamente o clima meditativo característico de Hovhaness. A escrita contrapontística lembra o estilo coral renascentista, com linhas melódicas independentes que se entrelaçam de forma serena, quase como um canto espiritual coletivo. 

2.º movimento – Allegro

Aqui há um contraste rítmico mais evidente, mas sem abandonar a clareza modal. O movimento utiliza padrões imitativos e ostinati, lembrando danças antigas ou até influências arménias discretas. É frequente que Hovhaness combine texturas quase barrocas com timbres modernos, criando um efeito de solenidade viva, não agressiva.

3.º movimento – Andante espressivo

O último movimento retoma o tom contemplativo inicial, mas com maior profundidade emocional. As linhas melódicas parecem fluir como cantos litúrgicos ou hinos espirituais. A música culmina não num clímax dramático, mas numa espécie de “elevação tranquila”, típica da estética hovhanessiana: em vez de resolver tensões, a música dissolve-se numa quietude luminosa.

Características gerais notáveis

• Uso intensivo de contraponto modal inspirado em Palestrina e na música medieval/renascentista.

• Ausência de conflito dramático: Hovhaness evita dissonâncias fortes e desenvolvimentos sinfónicos no estilo beethoveniano.

• Carácter místico e intemporal, muitas vezes associado a paisagens naturais ou experiências espirituais.

• Orquestração clara e equilibrada, privilegiando cordas e madeiras, com uso muito controlado dos metais.

Contexto estilístico

A 3.ª Sinfonia surge num período em que Hovhaness começa a consolidar o seu estilo pessoal, afastando-se das vanguardas pós-guerra e da tradição sinfónica europeia dramática. Em vez disso, procura uma voz profundamente interior, universal e espiritual, o que fez com que fosse muitas vezes visto como um compositor “à margem” das correntes dominantes.

Em suma, a Sinfonia n.º 3 é uma obra lírica, contemplativa e quase “atemporal”. Não busca o virtuosismo orquestral nem a inovação técnica, mas cria um espaço sonoro de calma e transcendência — um exemplo claro de como Hovhaness conseguiu forjar uma linguagem única no século XX.

     

13 de Outubro..

Em 1968 Allan Pettersson estreia em Estocolmo a sua Sinfonia nº7 . Este compositor é hoje considerado um dos compositores mais importantes da Suécia do século 20.

Brahms-Piano trio Nº1 em dó maior op.8

o Piano Trio n.º 1 em Dó maior, Op. 8 de Johannes Brahms é uma das obras de câmara mais fascinantes do século XIX, não só pela sua riqueza musical, mas também pela sua história única: é uma das raras peças que o próprio Brahms revisou profundamente décadas depois de a ter escrito.

Aqui vai uma análise geral 

Contexto histórico

• Composição original: 1853–1854, Em 1855 a 13 de Outubro estreou em Dantzig  a 1ªversão, quando Brahms tinha cerca de 20 anos.

• Revisão: 1889, já no fim da carreira, quando era um compositor maduro.

• Apesar de manter o mesmo número de opus, a versão revisada é quase uma nova obra — Brahms reescreveu vastas secções, condensou ideias e refinou a forma, mas manteve a exuberância lírica da juventude.

Instrumentação

• Piano

• Violino

• Violoncelo

É uma formação clássica de trio, mas Brahms explora aqui uma densidade orquestral: o piano tem papel sinfónico e os instrumentos de cordas dialogam intensamente, não sendo meros acompanhantes.

Estrutura dos movimentos

1. Allegro (Sonata-allegro)

   • Abertura expansiva e lírica, com um tema inicial belíssimo apresentado pelo violoncelo.

   • Alterna momentos de ternura com passagens de grande energia rítmica.

   • A revisão de 1889 trouxe maior coesão formal e clareza contrapontística.

2. Scherzo – Allegro molto / Trio

   • Ritmicamente incisivo, quase tempestuoso, lembrando o estilo de Schumann.

   • O Trio central contrasta com uma melodia serena e lírica antes de o Scherzo voltar com vigor.

3. Adagio

   • Movimento profundamente contemplativo e íntimo, com atmosfera quase religiosa.

   • Os diálogos entre violino e violoncelo são de grande beleza melódica, enquanto o piano sustenta uma textura harmónica densa e expressiva.

4. Finale – Allegro

   • Inicia com um caráter misterioso e tenso, para depois ganhar energia.

   • Combina passagens líricas e dramáticas com um uso magistral do desenvolvimento temático.

   • Termina com brilho, reafirmando a tonalidade de dó maior.

Importância artística

• A versão revisada equilibra juventude e maturidade: mantém a inspiração melódica do jovem Brahms, mas com a solidez formal e contrapontística do mestre tardio.

• É considerada uma das mais perfeitas obras de música de câmara do repertório romântico.

• Clara influência de Beethoven e Schumann, mas já com a voz plenamente brahmsiana — rica, profunda, e arquitetonicamente sólida.

 

Bloch-Piano Quintet Nº.1

EM 1923 a 11 de Novembro, Ernest Bloch estreia em Nova Iorque o seu Piano Quintet nº 1 com Harold Bauercomo pianista

.O Quinteto para Piano n.º 1 de Ernest Bloch (composto em 1921–23) é uma das obras de câmara mais intensas e emocionalmente carregadas do início do século XX. 

Características gerais

• Formação: piano + quarteto de cordas.

• Duração: cerca de 30 minutos.

• Estilo: expressionista, denso, com fortes tensões harmónicas e uma energia quase “orquestral”.

Atmosfera e linguagem

Bloch estava num período particularmente dramático e exploratório, e isso transparece:

• Texturas densas, às vezes quase violentas.

• Contrastes abruptos entre fúria e lirismo.

• Influências modais e um certo “primitivismo” que muitos associam à espiritualidade judaica típica de Bloch, mas aqui de forma mais crua e visceral.

Estrutura dos movimentos

1. Agitato – um movimento turbulento, com ritmos incisivos e ambiente tenso.

2. Andante mistico – um dos trechos mais belos, misterioso, quase ritualístico.

3. Allegro energico – vigoroso, com grande impacto rítmico e final arrebatador.

Como experiência

É uma obra que exige atenção: densa, emocionalmente complexa, com um piano altamente percussivo que desafia e domina o discurso. Para quem gosta de música de câmara com força dramática, é uma peça inesquecível.   

Beethoven-Violino sonata nº10 em sol op.96

A Sonata para Violino nº 10 de Ludwig van Beethoven em Sol maior , seu Opus 96, foi escrita em 1812 , publicada em 1816 e dedicada ao arquiduque Rudolph Johannes Joseph Rainier da Áustria , aluno de Beethoven , que fez sua primeira apresentação, junto com o violinista Pierre Rode .

9 de Outubro

Charles-Camille Saint-Saëns nasceu em Paris a 9 de outubro de 1835 e faleceu em Argel a 16 de dezembro de 1921 foi um compositor, organista, maestro e pianista francês da Era Romântica. 

Seus trabalhos mais conhecidos incluem Introdução e Rondo Caprichoso (1863), seu Segundo Concerto para Piano (1868), seu Primeiro Concerto para Violoncelo (1872), Dança Macabra (1874), a ópera Sansão e Dalila (1877), o Terceiro Concerto para Violino (1880), sua Terceira Sinfonia (1886) e O Carnaval dos Animais (1886).

Aqui o seu Cello concerto nº1 por Camille Thomas

eem bis  : Les Larmes de Jacqueline - Offenbach

Chopin-Balada nº1 em sol menor op.23

Shura Cherkassky nasceu a  7 de outubro de 1909 - e faleceu em 27 de dezembro de 1995) foi um pianista clássico ucraniano-americano  conhecido por suas interpretações do repertório romântico . 

Sua execução foi caracterizada por uma técnica virtuosa 

Durante grande parte de sua vida, Cherkassky residiu em Londres. 

Aqui toca de Chopin a Balada nº1 em sol menor op.23

A Balada No. 1, em Sol menor, Opus 23 é a primeira das quatro baladas compostas pelo compositor polaca Frédéric Chopin para piano solo. 

Foi composta entre 1835 e 1836. durante os primeiros dias do compositor em Paris, e foi dedicada ao Monsieur le Baron de Stockhausen (Senhor Barão de Stockhausen), embaixador de Hanover na França

A obra não segue uma forma clássica rígida (como sonata ou rondó), mas tem uma construção narrativa muito clara — como se contasse uma história musical:

1. Introdução lenta (Lento) – Uma abertura em sol menor, de caráter grave e contemplativo, com acordes em estilo quase coral. Cria uma sensação de expectativa, como se um narrador abrisse um conto sombrio.

2. Tema principal (Moderato) – Surge com uma melodia delicada e fluida, quase inocente, mas já com uma nostalgia profunda. Esse tema cresce e se desenvolve ao longo da peça com variações e intensificações.

3. Tema secundário (Meno mosso) – Aparece mais lírico e cantabile, contrastando com o primeiro. É um momento de beleza mais tranquila, quase sonhadora.

4. Desenvolvimento – Chopin alterna e transforma os dois temas, intensificando a tensão com passagens virtuosísticas, mudanças harmônicas ousadas e um crescendo emocional contínuo.

5. Coda (Presto con fuoco) – É uma explosão de energia: uma corrida vertiginosa, dramática e heroica, onde o tema principal é reinterpretado com fúria. Termina de forma abrupta e intensa, com acordes fortíssimos em sol menor.Características musicais

• Virtuosismo técnico: exige grande domínio pianístico — arpejos extensos, saltos, escalas rápidas e controle expressivo delicadíssimo.

• Profundidade emocional: alterna entre introspecção, lirismo e tempestade.

• Narrativa aberta: muitos pianistas e ouvintes sentem que a peça conta uma “história sem palavras”, com clímax e desfecho trágico ou grandioso.

Curiosidades

• Foi a peça escolhida por Roman Polanski para uma das cenas mais intensas do filme The Pianist (2002).

• Liszt ficou impressionado com esta balada e chegou a tocá-la em concertos, mesmo sendo escrita para o estilo único de Chopin.

• É frequentemente considerada a mais popular e emocionalmente arrebatadora das quatro baladas.

Edward Elgar-Marcha Triunfal Caractacus op.35

A 5 de outubro de 1898 no Festival de Leeds estreou-se a Triumphal March Caractacus, Op. 35 de Edward Elgar

A Marcha Triunfal de Caractacus, Op. 35, de Edward Elgar, é o grandioso final da cantata dramática Caractacus (1898).

Essa obra foi escrita para o Festival de Música de Leeds, e marca um momento importante na carreira de Elgar: é uma das peças que o consolidaram como compositor nacional britânico, antes mesmo do sucesso colossal da Marcha Pompa e Circunstância nº 1 (1901).

🌿 Contexto dramático

A cantata Caractacus narra a resistência do chefe britano Caractacus (Carataco) contra a invasão romana, sua captura e subsequente apresentação ao imperador Cláudio em Roma. A Marcha Triunfal surge no final da obra, representando a entrada vitoriosa dos romanos na cidade — cheia de pompa, solenidade e esplendor imperial.

Características musicais

• Escrita para orquestra completa, coro e solistas, a marcha combina:

  • Harmonia majestosa, com acordes amplos e brilhantes.

  • Temas nobres e expansivos, típicos do estilo britânico de Elgar.

  • Ritmo marcado e regular, evocando um cortejo triunfal romano.

  • Orquestração rica, com destaque para os metais (trompetes, trombones e trompas), tímpanos e cordas em uníssono.

Importância

• É vista como precursora direta do estilo que Elgar desenvolveria nas suas marchas Pomp and Circumstance.

• Foi muito bem recebida no Festival de Leeds, ajudando a firmar Elgar como um compositor de “voz inglesa” — algo que ele vinha buscando desde suas obras corais anteriores.

Curiosidade

Nos concertos modernos, a Marcha Triunfal é frequentemente executada isoladamente, como peça orquestral independente, graças ao seu caráter monumental e festivo — semelhante ao destino que tiveram outras marchas sinfônicas de Elgar.