O Concerto para Trompa nº 2 em Mi bemol maior, de Richard Strauss, é uma das obras tardias do compositor, escrita em 1942, quando ele já tinha 78 anos. É curioso porque, apesar de ter sido criado no auge da Segunda Guerra Mundial, a música soa luminosa, serena e quase clássica na sua forma — como se Strauss estivesse a dialogar com Mozart e o período vienense, e não com o mundo caótico à sua volta.
Alguns pontos marcantes:
Estilo – É mais contido e transparente do que as obras orquestrais grandiosas da juventude de Strauss (como Don Juan ou Uma Vida de Herói). Aqui ele adota uma escrita mais clara, com texturas leves, mas sempre com sua assinatura melódica.
Estrutura – Segue o formato tradicional em três movimentos:
Allegro – brilhante, ágil, com passagens virtuosísticas para trompa, lembrando o espírito mozartiano.
Andante con moto – lírico e contemplativo, com momentos de grande calor expressivo.
Rondo (Allegro molto) – alegre e saltitante, com certo humor e vitalidade surpreendentes para um compositor tão idoso.
Técnica da trompa – É uma verdadeira prova de resistência e agilidade para o trompista. A escrita pede precisão nas notas agudas e clareza nas rápidas articulações, algo que combina com a afinidade de Strauss com o instrumento (o pai dele, Franz Strauss, era um renomado trompista).
Caráter emocional – Não é uma obra dramática; soa mais como um gesto de paz interior, quase uma despedida elegante e otimista.
Se quisermos resumir, o Horn Concerto nº 2 é uma espécie de homenagem de Strauss à tradição clássica, escrita com a sabedoria e simplicidade que só um compositor veterano poderia alcançar.
Nessa época, Mozart enfrentava dificuldades financeiras e de saúde, mas a música não revela decadência — pelo contrário, tem energia, vitalidade e um espírito quase triunfal.
São quatro movimentos, seguindo o modelo clássico, mas com refinamentos que mostram Mozart no auge:
Allegro vivace (C maior) — Abertura luminosa e afirmativa, com contrastes dinâmicos e motivos que se respondem como diálogo.
Andante cantabile (F maior) — Uma melodia serena e expressiva, mas com momentos de tensão e contraponto que dão profundidade emocional.
Menuetto: Allegretto (C maior) — Um minueto robusto e quase cerimonial, com trio mais delicado.
Molto allegro (C maior) — O grande trunfo: um movimento final que combina cinco temas num verdadeiro tour de force contrapontístico, culminando numa fuga e coroamento em estilo barroco, mas com o brilho clássico.
Composto em 1902.
Encomendado pelo Conservatório de Paris como peça de exame (concours) para os flautistas do último ano.
Dedicado a Paul Taffanel, lendário flautista e professor do conservatório, que teve enorme influência no desenvolvimento da escola francesa de flauta.
A obra tem estrutura livre, não segue a forma-sonata clássica, mas sim uma espécie de forma rapsódica, com seções contrastantes.
Duração: cerca de 8 minutos.
Começa de forma lírica e cantabile, exibindo o timbre doce da flauta.
Desenvolve-se com virtuosismo crescente, incluindo arpejos, passagens rápidas e momentos de grande brilho técnico.
Termina com um clímax energizante, onde a flauta brilha com agilidade e leveza.
Fortemente romântico, com harmonias doces, melodias amplas e momentos de expressão sentimental.
Carrega o charme da belle époque, com leveza, graça e uma certa elegância francesa inconfundível.
Muito acessível ao ouvido — não é experimental, mas sim envolvente, encantador.
Embora tenha sido escrito originalmente para flauta e piano, há também uma versão orquestrada feita pouco depois da composição. Essa versão é comumente tocada em concertos.
A Valse Mélancolique de Vladimir Rebikov é uma peça breve mas profundamente expressiva, fiel ao título: um verdadeiro lamento em forma de valsa. Rebikov (1866–1920), embora não seja dos compositores mais populares hoje, foi um precursor notável do modernismo russo, experimentando com harmonia, ritmo e atmosfera — algo que essa peça revela com delicadeza.
Clima e expressão
A peça é impregnada de uma melancolia suave, quase sussurrada. Apesar de ser uma valsa, o pulso ternário é mais sugestão do que imposição — como se a dança estivesse exausta de tristeza.
Os contrastes dinâmicos são contidos, com uma sensação de recuo emocional, como quem remói lembranças num salão vazio.
Rebikov utiliza harmonias ousadas para a época, com dissonâncias que não se resolvem de forma tradicional, evocando um certo mal-estar emocional — um prenúncio do que Scriabin e até Debussy explorariam mais tarde.
Há momentos em que o fraseado se desfaz, como se a música estivesse a hesitar entre recordar e esquecer.
Uma leitura sensível deve priorizar o lirismo e a hesitação melódica. O rubato (variação de tempo expressiva) é essencial: esta não é uma valsa de salão, mas uma valsa interior.
A repetição melódica, com leves variações, contribui para uma sensação de círculo — como pensamentos que retornam sempre ao mesmo ponto doloroso.
Importância histórica
Rebikov foi um experimentador. A Valse Mélancolique, embora breve e aparentemente simples, já esboça elementos impressionistas e expressionistas.
A peça pode ser vista como um elo entre Tchaikovsky (na melancolia) e Scriabin (na ousadia harmônica), mesmo que em pequena escala.
A Serenata para Orquestra nº 9 em Ré maior, K. 320, de Wolfgang Amadeus Mozart, é uma das suas obras mais notáveis do gênero serenata, e é frequentemente chamada de "Posthorn" (ou “Corno dos Correios”), devido ao uso marcante desse instrumento no último movimento.
Contexto histórico e função
Composta em 1779, em Salzburgo, quando Mozart tinha cerca de 23 anos.
Escrita provavelmente para as celebrações de final de ano letivo na Universidade de Salzburgo.
Como outras serenatas, a K. 320 era destinada à execução ao ar livre e em ambiente festivo — mas distingue-se pela sua sofisticação estrutural e orquestração.
A serenata tem sete movimentos, o que a torna uma obra longa e elaborada para o gênero. Aqui está um resumo:
Adagio – Allegro con spirito
– Abertura com grandeza e vivacidade. Já mostra o equilíbrio entre solenidade e festa.
Menuetto
– Dançante e aristocrático, como é típico nas serenatas.
Concertante: Andante grazioso
– Movimento lírico com destaque para solos de violino, flauta e oboé.
Rondeau: Allegro ma non troppo
– Um movimento gracioso e bem-humorado, com forma de rondó.
Andantino
– Mais calmo e introspectivo, contrastando com o resto da obra.
Menuetto
– Segundo minuet, reforçando o caráter festivo.
Finale: Presto (com interlúdio para o Posthorn)
– O famoso trecho com interlúdio para o Posthorn, instrumento associado às fanfarras dos carteiros. Essa sonoridade incomum confere originalidade e caráter pastoral.
O posthorn (corno dos correios) não é um instrumento comum na orquestra clássica, e aqui Mozart o usa de forma quase cénica, evocando sons da vida cotidiana (como o toque que anunciava a chegada de uma diligência). É um toque de humor e realismo em meio à sofisticação clássica.
English Northern Philharmonia dirigida por David Lloyd Jones.
O Cello Concerto de Arthur Bliss, composto em 1970, é uma obra de grande expressividade emocional e lirismo, embora ainda seja relativamente pouco conhecida fora dos círculos especializados em música britânica do século XX. Aqui vão alguns pontos relevantes sobre essa peça:
Foi encomendado pelo célebre violoncelista Mstislav Rostropovich, um dos maiores de todos os tempos.
A estreia ocorreu em 1970, com Rostropovich como solista, regido pelo próprio Bliss.
É uma das últimas grandes obras orquestrais de Bliss, escrita quando ele já era uma figura estabelecida na música britânica.
Estilo: Pós-romântico, com influências do modernismo britânico. Bliss combina uma linguagem tonal rica com momentos de tensão harmônica.
Expressividade: Muito lírico e introspectivo. O violoncelo canta — às vezes em lamento, às vezes em contemplação. É mais meditativo que heroico.
Orquestração: Ricamente colorida, mas nunca sufoca o solista. Bliss consegue um equilíbrio notável entre solista e orquestra.
Forma: Tradicionalmente estruturado em três movimentos, com um segundo movimento lento e melancólico que é muitas vezes considerado o coração emocional da obra.
Apesar de não ter o mesmo prestígio que concertos como os de Elgar, Dvořák ou Shostakovich, o concerto de Bliss é respeitado pela sua profundidade emocional e dignidade musical.
É um excelente exemplo do estilo maduro de Bliss: refinado, elegante, e com um traço de melancolia britânica.
Composta em 1845–1846, publicada em 1846.
Escrita em fá sustenido maior, uma tonalidade luminosa e lírica.
Inspirada na forma veneziana da barcarola, uma canção de ninar ou canção de barqueiro (com um ritmo ternário, fluido, ondulante).
A peça é para piano solo, com grande riqueza harmónica, textura densa e lirismo melódico.
Duração: cerca de 8–9 minutos.
O compasso é 6/8, típico das barcarolas, evocando o balanço das águas, como uma gôndola flutuando suavemente.
A melodia principal é profundamente cantabile, cheia de doçura e sofisticação.
A harmonia é ousada, com modulações inesperadas — Chopin estava no auge de sua maturidade composicional.
A peça culmina num clímax arrebatador, seguido de um coda delicado, quase etéreo.
