A Missa nº 1 em Ré menor, WAB 26 de Anton Bruckner, é um cenário da Missa ordinária para solistas, coro misto e orquestra e órgão.
Depois de terminar seu período de estudo de oito anos com Sechter e Kitzler e de ter composto algumas obras menores, como a Cantata Festiva (1862) e o Salmo 112 (1863),
Bruckner compôs sua primeira grande missa, a Missa em Ré menor. . Ele concluiu a obra em 29 de setembro de 1864.
A estreia da missa na antiga Catedral de Linz, em 20 de novembro de 1864, foi um sucesso.
Uma crítica elogiosa no Linzer Zeitung descreveu o potencial de Bruckner como compositor sinfônico e classificou a Missa em Ré menor no mais alto escalão da música sacra.
Friedrich Robert Volkmann (6 de abril de 1815 - 30 de outubro de 1883) foi um compositor alemão.
Robert Volkmann nasceu em Lommatzsch, perto de Meißen, no Reino da Saxônia. Seu pai, diretor musical de uma igreja, treinou-o na música para prepará-lo como sucessor.
Assim, Volkmann aprendeu a tocar órgão e piano com seu pai, estudou violino e violoncelo com Friebel, e aos 12 anos já tocava violoncelo em quartetos de cordas de Haydn, Mozart e Beethoven.
Em 1832, ingressou no Ginásio de Freiberg com o objetivo de se tornar professor. Lá ele estudou música com August Ferdinand Anacker, que o encorajou a se dedicar mais plenamente à música.
Em Leipzig conheceu Robert Schumann que o incentivou nos estudos. Eles se encontraram novamente várias vezes depois disso.
Ao visitar Viena em 1864, Volkmann conheceu Johannes Brahms e se tornaram amigos íntimos. Em cartas, eles se dirigiam como "lieber Freund" ("querido amigo").
A partir da década de 1870, Volkmann desacelerou e compôs muito pouco. De 1875 até sua morte, foi professor de harmonia e contraponto na Academia Nacional de Música de Budapeste, onde Liszt era o diretor.
A Tempestade, Op. 76, é uma abertura em Mi menor composta por Pyotr Ilyich Tchaikovsky por volta de junho e agosto de 1864. A obra é inspirada na peça A Tempestade do dramaturgo russo Alexander Ostrovsky. A mesma peça também inspirou a ópera Káťa Kabanová de Leoš Janáček.
Richard Georg Strauss nasceu em Munique a 11 de Junho de 1864 e viria morrer em Garmisch-Partenkirchen a 8 de Setembro de 1949, foi um compositor e maestro alemão.
É considerado um dos mais destacados representantes da música entre o final da Era Romântica e o início da Idade Moderna.
Uma Sinfonia Alpina, Op. 64, é um grande poema sinfónico composto por Richard Strauss entre 1911 e 1915.
O programa ilustra uma excursão de um dia subindo os Alpes Bávaros, recordando na magistral orquestração a experiência duma escalada realizada pelo próprio compositor quando ele tinha catorze anos.
Não é uma sinfonia tradicional em quatro movimentos. Em vez disso, trata-se de um único movimento dividido em 22 seções contínuas, cada uma com um título que narra uma jornada pela montanha: desde a partida antes do amanhecer, passando por florestas, pastagens, glaciares, o ápice da subida, a tempestade, e por fim, o retorno ao entardecer.
É escrita para uma orquestra colossal: inclui órgão, harpa dupla, percussão abundante (incluindo máquina de vento e trovão), instrumentos fora do palco e efeitos sonoros naturalistas.
Strauss explora todos os recursos da orquestra moderna, com combinações timbrísticas ricas e detalhadas
Embora seja literalmente uma jornada alpina, a obra também pode ser lida como uma metáfora filosófica para a ascensão, o desafio humano frente à natureza, e até mesmo um comentário sobre o ciclo da vida e da morte.
Influências de Nietzsche, especialmente do texto “Além do Bem e do Mal” e “Assim Falava Zaratustra”, são sugeridas, embora Strauss não tenha afirmado um programa metafísico explícito.
Musicalmente, está entre o tardo-romantismo e o modernismo: tonalidade expandida, cromatismo ousado, mas ainda sem abandonar completamente o sistema tonal
A obra foi composta durante os primeiros anos da Primeira Guerra Mundial, embora não trate diretamente do conflito.
Em 1864 a 12 de Janeiro, Brahms estreia em Viena a obra Variações sobre um tema de Schumann Op. 23, para piano a quatro mãos
O que o Brahms faz aqui é quase um ato de intimidade. O tema vem do Álbum para a Juventude, Op. 68, nº 11, do Schumann — uma melodia simples, quase doméstica. Mas o contexto muda tudo: Brahms escreve estas variações em 1854, quando Schumann já estava à beira do colapso mental e Clara se tornava o centro emocional da vida dele. Ou seja, não é só música: é memória, lealdade e contenção afetiva.
Musicalmente, acho fascinante como Brahms evita o virtuosismo ostensivo.
Nada de pirotecnia gratuita. As variações são:
densas, mas nunca pesadas
contidas, quase pudicas
profundamente contrapontísticas, como quem pensa mais do que confessa
Há ali um diálogo constante entre forma clássica e emoção romântica reprimida. Algumas variações parecem sussurrar — outras caminham com uma solenidade grave, quase fúnebre, sem nunca cair no desespero explícito Tema
É de uma simplicidade quase desarmante. Ingénuo à superfície, mas já com aquela melancolia schumanniana de fundo. Brahms não o “embelezou”: ele respeitou-o. Isso é importante — tudo o que vem depois nasce dessa fidelidade.
Variação I
Brahms começa com cuidado extremo. O tema ainda está ali, reconhecível, mas envolto num leve véu harmónico. É como se dissesse: “não vou tocar no que é frágil sem pedir licença.”
Variação II
Mais movimento interior, mas ainda contido. A mão esquerda ganha voz — algo muito brahmsiano. Já não é só melodia: é pensamento. Aqui começa a reflexão. Variação III
Uma certa doçura melancólica. Nada de brilho. Parece uma lembrança vista à distância, com ternura, mas sem nostalgia excessiva. Clara está muito presente neste clima.
Variação IV
Mais densidade rítmica. O discurso fica mais sério, quase severo. Brahms mostra o lado estruturador, clássico, como quem se agarra à forma para não se perder na emoção.
Variação V
Aqui o contraponto respira melhor. As vozes conversam entre si — não há protagonista absoluto. Isto soa quase como um diálogo interior, ou uma conversa que nunca aconteceu.
Variação VIUma das mais sombrias. Harmonia mais fechada, peso emocional maior. Não é desespero — é gravidade. A dor aqui é pensada, não chorada.
Variação VII
Mais fluida, quase um alívio momentâneo. Como um raio de luz tímido, mas passageiro. Brahms permite-se respirar… por instantes.
Variação VIII
Volta a introspeção. O tema está fragmentado, como memória que se recompõe aos pedaços. Muito humana esta variação.
Variação IX
Talvez a mais “brahmsiana” no sentido pleno: textura espessa, vozes entrelaçadas, tempo suspenso. Aqui já não é Schumann — é Brahms falando através de Schumann.
Variação XClareza e recolhimento. Parece preparar algo, mas sem dramatizar. É uma transição emocional, não técnica.
Variação XI
Uma serenidade madura. Não há tensão, não há luta. Apenas permanência. Isto soa a aceitação — talvez a mais bela forma de fidelidade.
Final (Andante)
Nada de triunfo, nada de encerramento grandioso. É um despedir-se em voz baixa. O tema regressa como quem se senta ao lado de alguém em silêncio. A música não conclui — permanece.
