Eric Coates-London Suite

• Em 1886 a 27 de Agosto, nasceu em Hucknall em Nottinghamshir Eric Coates que viria a morrer em Chichester após ter sofrido um acidente vascular cerebral a 21 de Dezembro de 1957

Uma das suas principais obras é a London Suite

A London Suite de Eric Coates é uma das obras orquestrais mais conhecidas do compositor inglês, escrita em 1933. Coates, muitas vezes lembrado como “o mestre da música ligeira britânica”, tinha o dom de criar melodias cativantes, muito associadas ao espírito inglês do início do século XX.

A London Suite é composta por três movimentos, cada um evocando um lugar característico da cidade de Londres:

1. Covent Garden (Tarantelle) – Alegre, movimentado, cheio de energia, como a própria atmosfera do mercado e da vida teatral da zona.

2. Westminster (Meditation) – Mais solene e reflexivo, quase como uma homenagem à dignidade do Parlamento e da Abadia de Westminster.

3. Knightsbridge (March) – O movimento mais famoso da suíte, com uma marcha vibrante e otimista. Tornou-se muito popular e chegou a ser usado como tema musical pela BBC para o programa de rádio In Town Tonight.

O estilo de Coates nessa suíte é típico dele: melodias claras, acessíveis, orquestração colorida e uma forte ligação com a vida urbana e popular. Diferente da música “sinfónica pesada” de outros contemporâneos, Coates escrevia para encantar e ser imediatamente reconhecível — daí o enorme sucesso na rádio e no cinema.    

Weber-Quinteto para Clarinete em si bemol maior op.34

O Quinteto para Clarinete e Quarteto de Cordas em Si bemol maior, Op. 34, de Carl Maria von Weber, é uma das obras mais importantes do repertório camerístico para clarinete. 

• Weber estreou-o em Munique em 1815 a 24 de Agosto  com Heinrich Barmann como solista

Algumas características marcantes:

• Composição: Foi escrito em 1811, numa época em que Weber estava a colaborar intensamente com o clarinetista virtuoso Heinrich Bärmann. É justamente a habilidade extraordinária de Bärmann que inspirou Weber a explorar ao máximo a expressividade e a técnica do instrumento.

• Estrutura: O quinteto segue a forma tradicional em quatro movimentos:

  1. Allegro (forma-sonata, virtuosismo logo de início, com contrastes líricos).

  2. Fantasia (Adagio ma non troppo) – um movimento altamente expressivo, quase operístico, onde o clarinete canta como uma voz humana.

  3. Menuetto, capriccio presto – espírito dançante e leve, com brincadeiras rítmicas.

  4. Rondo (Allegro giocoso) – final brilhante e cheio de energia.

• Estilo: Embora Weber seja visto como um dos primeiros compositores do romantismo, aqui ele combina ainda elementos clássicos (forma, clareza de escrita) com antecipações românticas (grande lirismo, tratamento quase “teatral” do clarinete, que lembra a escrita vocal das suas óperas).

• Importância: É considerado um marco no repertório do clarinete, ao lado dos quintetos de Mozart (K. 581) e de Brahms (Op. 115), embora de caráter bem diferente: enquanto o de Mozart é lírico e equilibrado, e o de Brahms é crepuscular e introspectivo, o de Weber é virtuosístico, cheio de brilho e dramatismo.

Mozart-Violino Sonata em lá maior K526

A Sonata para violino e piano em Lá maior, K. 526, de Mozart, é uma das obras mais notáveis do seu catálogo de sonatas para violino. Ele a compôs em 1787, estreou a 24 de Agosto em Viena — o mesmo ano do Don Giovanni —, o que já dá uma ideia da intensidade criativa em que Mozart vivia naquele período.

Alguns pontos que vale destacar:

• Caráter virtuosístico: diferente de sonatas anteriores, onde o violino muitas vezes tinha papel mais modesto em relação ao piano, aqui os dois instrumentos estão em pé de igualdade. O violino exige técnica apurada, e o piano também tem passagens brilhantes, quase de concerto.

• Estrutura: segue o modelo clássico de três movimentos:

  1. Molto allegro (em forma sonata) – vivo, cheio de energia e diálogos entre piano e violino.

  2. Andante – mais lírico e intimista, em Ré maior, com caráter quase operístico, como uma ária calma no meio da peça.

  3. Presto – um rondó cheio de brilho e humor, exigindo enorme destreza dos intérpretes.

• Estilo: a peça já mostra Mozart a experimentar um equilíbrio entre lirismo e virtuosismo, quase antecipando o estilo de Beethoven. Muitos comentadores apontam que essa sonata tem uma energia “sinfônica” dentro da forma camerística.

• Dificuldade: está entre as mais difíceis do ciclo, tanto para violinistas quanto para pianistas, justamente pelo virtuosismo, pela clareza necessária e pela velocidade dos movimentos extremos.

Diria que a K. 526 é uma obra que não só exibe a genialidade técnica de Mozart, mas também a sua capacidade de transformar uma sonata em algo profundamente expressivo, quase teatral...

Beethoven-Polonaise op.89

A Polonaise em Dó maior, Op. 89, de Beethoven, é uma peça curiosa dentro da sua produção. 🎼

👉 Alguns pontos interessantes:

• Data e contexto: Foi composta em 1814, um ano em que Beethoven estava muito envolvido com trabalhos de circunstância e obras de caráter mais leve, muitas vezes encomendadas para ocasiões sociais.

• Dedicatória: É dedicada à imperatriz russa Maria Feodorovna, mãe do czar Alexandre I. A escolha da forma polonesa (dança de origem polaca, mas muito popular nas cortes da Europa) certamente tinha um caráter diplomático.

• Estilo:

  • Não é uma obra de “grande profundidade” beethoveniana como as sonatas ou quartetos; está mais próxima do estilo de salão, brilhante e elegante.

  • Tem o ritmo característico da polonaise (compasso ternário, com acentuação marcada no primeiro tempo e figuração pontuada).

  • Apesar disso, Beethoven dá-lhe o seu cunho: há contrastes dinâmicos, uso de síncopes e um certo peso que vai além de uma peça apenas decorativa.

• Recepção: Muitas vezes considerada uma obra “menor” no catálogo, mas interessante por mostrar Beethoven em diálogo com o gosto cortesão da época, quase um exercício de diplomacia musical.

• Caráter: É festiva, cerimoniosa, mas ainda com um certo vigor que não deixa esquecer a mão de Beethoven.

..

Tchaikovsky-Abertura 1812 op.49

 A Abertura 1812 de Piotr Ilitch Tchaikovsky é uma das peças sinfônicas mais famosas do repertório clássico, composta em 1880 para celebrar a vitória russa sobre Napoleão na invasão de 1812.

Em 1882 a 20 de Agosto estreia  a Abertura de 1812 de Tchaikovsky em Moscovo.

A obra é mais conhecida pela sua sequência de tiros de canhão que é, em alguns concertos ao ar livre, executada com canhões reais. Embora a obra não tenha nenhuma conexão com os Estados Unidos da América, muitas vezes é executada juntamente com músicas patrióticas naquele país.

Alguns pontos interessantes sobre ela:

• Contexto histórico: Tchaikovsky foi encarregado de escrever a obra para a consagração da Catedral de Cristo Salvador, em Moscovo, erguida em memória da resistência russa. Ele próprio dizia não ter grande apego ao tema patriótico, mas a encomenda pedia algo grandioso.

• Estrutura musical:

  • Começa com um hino ortodoxo russo, representando a fé do povo.

  • Depois surgem trechos militares, temas russos e até a Marselhesa, hino da França revolucionária e símbolo dos invasores.

  • O clímax é uma explosão triunfal com o hino imperial russo “Deus salve o czar”, acompanhado por sinos e canhões.

• Instrumentação inusitada: Além da orquestra tradicional, Tchaikovsky pediu canhões reais e sinos de igreja. Em apresentações modernas, geralmente se usam efeitos sonoros, mas há execuções ao ar livre que incluem tiros de artilharia de verdade.

• Recepção: Embora o próprio Tchaikovsky não considerasse a obra entre suas melhores (dizia que era mais efeito do que emoção pessoal), ela se tornou um símbolo de espetáculo musical, muito usada em concertos ao ar livre e até em celebrações como o 4 de Julho nos EUA.

• Caráter: É uma peça mais de impacto do que de introspecção — cheia de energia, grandiloquência e brilho orquestral, quase um "fogos de artifício" em música.

Paganini-Violino concerto nº1 op 06

,,O Concerto para Violino nº 1 , Op. 6, foi composta por Niccolò Paganini na Itália e data de meados da década de 1810. 

Foi estreada em Nápoles em 31 de março de 1819. 

 Composto por volta de 1817–1818, quando Paganini já era famoso como intérprete, o concerto foi escrito para mostrar ao público os limites técnicos extremos que ele dominava — e que muitos outros violinistas não conseguiam sequer executar.

Aqui vão alguns pontos-chave:

• Estrutura: segue o modelo clássico-romântico de três movimentos:

  1. Allegro maestoso

  2. Adagio espressivo

  3. Rondo: Allegro spirituoso

• Virtuosismo: O concerto está repleto de técnicas características de Paganini — harmônicos, pizzicati com a mão esquerda, grandes saltos, cordas duplas, passagens em staccato rápido — que transformam a obra quase numa “exibição circense” de habilidades.

• Orquestração: Paganini escreveu a parte orquestral de modo relativamente simples e claro, justamente para que o violino brilhasse em primeiro plano. Curiosamente, ele chegou a escrever a parte solista em Mi bemol maior, mas indicava que fosse tocada em ré maior com a corda do violino afinada meio tom acima (o chamado scordatura). Assim, o efeito sonoro era mais brilhante e metálico.

• Caráter: o primeiro movimento tem solenidade e brilho quase “operático”, o segundo é lírico e cantabile (lembrando uma ária italiana), e o terceiro é ágil, cheio de saltos e pirotecnias, quase uma dança endiabrada.

• Influência: Essa obra contribuiu para consolidar a imagem de Paganini como “o violinista do diabo”, com técnica sobre-humana. Até hoje é um dos concertos mais difíceis do repertório e continua a ser um marco para intérpretes que desejam demonstrar virtuosismo.

Aqui a interpretação é de Maria Dueñas

 

Jacques Ibert-Flauta concerto

Em 1890 nasceu em Paris o compositor francês Jacques Ibert que viria a morrer também em Paris a 5 de Fevereiro de 1962

Aqui apresenta-se o seu Flauta Concerto interpreatado por Adriana Ferreira 

O Concerto para Flauta e Orquestra de Jacques Ibert (1932–1934) é uma das obras mais icônicas do repertório de flauta do século XX, tanto pela sua exigência técnica quanto pelo seu caráter espirituoso.

Aqui está um panorama:

---

1. Contexto

• Foi encomendado pela flautista Marcel Moyse, um dos maiores nomes da flauta na França.

• Estreou em 1934, em Paris, com Moyse como solista.

• Reflete o espírito francês da época: leveza, clareza e virtuosismo, herança de Debussy e Ravel, mas com um toque mais irônico e brincalhão característico de Ibert.

---

2. Estrutura
O concerto tem três movimentos bem contrastantes:

1. Allegro – Muito brilhante, rítmico, com saltos, escalas rápidas e articulação clara; exige precisão e resistência do flautista.

2. Andante – Lírico, mais introspectivo; a flauta canta com longas frases e riqueza tímbrica, mas ainda há sutis desafios de controle de afinação e dinâmica.

3. Allegro Scherzando – Vivíssimo e cheio de humor; combina passagens rápidas, mudanças abruptas de caráter e virtuosismo quase acrobático.

---

3. Estilo e Características

• Uso de escalas modais e cromáticas, mas dentro de um vocabulário tonal expandido.

• Humor musical: mudanças súbitas de andamento, dinâmicas e caráter.

• Escrita “transparente” da orquestra: a flauta nunca é encoberta, mas precisa brilhar acima da textura.

• É uma obra que tanto exige técnica apurada (articulação, saltos, registro agudo) quanto expressão refinada.

---

4. Desafios para o flautista

• Respiração: frases longas no Andante e passagens contínuas no 1º movimento.

• Mudança rápida de registros: agudo e grave alternando sem aviso.

• Clareza de articulação: especialmente no Scherzando.

• Interpretação: equilibrar o virtuosismo com o charme e o humor francês.

..